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Tous les territoires de l'imaginaire, en vitesse supra-luminique. Chroniques sur le cinéma, la littérature, les jeux, séries TV, bandes dessinées.

Articles avec #personnalites catégorie

Publié le par Spooky
Publié dans : #Personnalités





J’aime beaucoup John Carpenter. Je trouve qu’il y a toujours des choses à dire sur ses films. J’ai découvert son œuvre il y a longtemps, par le biais de La Chose, probablement l’un de ses tout meilleurs films. Et puis, progressivement, j’ai découvert l’ensemble de son œuvre, que je trouve pas mal. Hier soir, par exemple, j’ai vu The Fog en entier (après un premier visionnage avorté il y a quelques mois). C’est donc l’occasion de faire une radioscopie de la filmographie du Maître.

 
En 1974, John Carpenter étudie le cinéma à l'Université de Californie du Sud où il réalise Dark Star, un film de science-fiction. Alors, Carpenter peut s'attaquer à de plus gros projets avec Assaut (1976), un remake moderne de Rio Bravo. Assaut deviendra également un classique, puisqu’un remake (assez réussi) sera réalisé par le français Jean-François Richet en 2004.



En 1978, il connaît son premier succès avec Halloween, La Nuit des masques en créant par la même occasion un nouveau genre horrifique, le slasher. Le film se transformera en franchise, puisqu'une dizaine de films a vu le jour jusqu’à présent. C’est aussi la révélation de Jamie Lee Curtis, considérée pendant longtemps comme une « scream-queen ». Il réalise ensuite deux téléfilms dont Le roman d'Elvis (1979) où il rencontre Kurt Russell, qui sera tête d'affiche de son New York 1997 (1981). Ce film est pour moi l’un des meilleurs que j’aie jamais vu. Une grande inventivité scénaristique et graphique, une musique envoûtante (Carpenter compose d’ailleurs lui-même la musique de la plupart de ses films). Et c’est aussi l’émergence d’un anti-héros emblématique, Snake Plissken, souvent copié.


En 1982, il réalise The Thing, toujours avec Kurt Russell. C’est un remake du film de Christian I. Nyby de 1951. Mais pour une fois, le remake surpasse amplement l’original. Carpenter insuffle une énergie, un génie visuel peu présents depuis dans cette œuvre crépusculaire et sans concession. Puis vient Christine (1983) d'après le roman de Stephen King. L’histoire, celle d’une voiture hantée, accroche le spectateur et ne le lâche plus. Le film, cependant, est un peu boudé par la critique et le public.

 

Starman (1984), nous fait suivre la trace d’un gentil extraterrestre (Jeff Bridges) qui tombe amoureux d’une jolie veuve. Touchant et sensible, Carpenter étonne -voire déçoit- son public avec ce conte fantastique. En 1986, Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin est un échec qui lui coûte sa crédibilité au sein des studios américains. Malgré la présence de Kurt Russell dans le rôle-titre, le film est incompris par de nombreuses franges de la critique et du public. Enlevé, fantaisiste, l’histoire mêle plusieurs genres : fantastique, comédie, thriller…

Il se tourne vers de plus petits budgets comme Prince des Ténèbres (1987). Carpenter s’attaque à l’épouvante dans ce film, où un prêtre et quelques étudiants essaient de percer le secret que renferme un coffret. Le propos de Carpenter étonne, sa maîtrise des effets spéciaux éblouit, malgré le budget réduit (entre 2 et 3 millions de dollars selon les sources). Moins malsain que l’Exorciste, mais tout aussi terrifiant, Le Prince des Ténèbres est un classique du genre. Invasion Los Angeles (1988) est une œuvre un peu méconnue du grand public. John Nada, ouvrier au chômage, découvre un étonnant trafic de lunettes. Une fois posées sur le nez, elles permettent de détecter d'épouvantables extraterrestres décidés à prendre le contrôle de la planète. Le film joue beaucoup sur l’angoisse, sur l’oppression, sur la paranoïa. Les années Reagan y trouvent un étrange écho sous couvert de science-fiction. Carpenter lance une violente diatribe à l’encontre des violences policières, des ravages du capitalisme sauvage et du peu de place laissé aux démunis dans la société. Ce film, que d’aucuns considèrent comme le meilleur du réalisateur, reste d’une troublante actualité, plus de vingt ans après. Cependant, le côté « fauché » de Carpenter est assez transparent : des effets spéciaux bâclés, quelques scènes mal montées, et un dernier tiers quelque peu décevant ont sans doute « plombé » la carrière du film…
 

Mais Carpenter devient de nouveau « bankable », et les studios lui redonnent des budgets conséquents avec Les Aventures de l'homme invisible (1992). Carpenter se mue alors en « yes-man », pour livrer un produit formaté, gentillet et répondant aux attentes des studios. La réalisation est impeccable, et les effets spéciaux honnêtes. Ce film, le moins personnel de Jean Menuisier, est peut-être le moins bon… Vient ensuite Le Village des damnés (1995). Il s’agit là d’un nouveau remake d’un classique des années 1950, traitant à l’époque de la Guerre Froide. Carpenter y insuffle donc une critique de l’insensibilisation de la société (et par là même, des enfants) face à la violence de notre société. A noter que le casting compte deux « has-been » du cinéma : Mark Hamill (Luke Skywalker dans la première trilogie Star Wars) et Christopher Reeves (inoubliable Superman). Mais l’indigence de l’histoire (ne se démarquant pas vraiment de l’original, en particulier) entraîne une désaffection d’une partie du public.
 

L' Antre de la folie (1995), une belle réussite sur le plan artistique lui permet d'obtenir à nouveau les faveurs des studios. Dans ce film, Sam Neill est un écrivain qui sombre peu à peu dans la folie. C’est un hommage à peine déguisé à la vie et à l’œuvre du pape du fantastique, Howard Phillips Lovecraft, devenu célèbre après sa mort. C’est un film de trouille, limite gore par moments, et avec une fin qui en déroutera plus d’un. Une franche réussite. Carpenter réalise pour un budget colossal Los Angeles 2013 (1996). Suite-remake de New York 1997, ce film nous montre encore Snake Plissken dans une nouvelle situation délicate. La comparaison est inévitable, et les avis sont très partagés. Les effets spéciaux, notamment, font un peu « cheap ». Mais l’ambiance des grands Carpenter est là, et certaines scènes, comme la fin, confinent à l’anthologie. Et le message politique est toujours présent.
 

En 1998, il réalise, lui qui est un grand amateur du genre, un western moderne, Vampires, avec James Woods. Comme son nom l’indique (presque), cela traite d’un groupe de chasseurs de vampires à notre époque. Original, politiquement incorrect et bourré de testostérone, James Woods incarne à merveille le film. Crépusculaire et « rock n’roll », c’est l’apothéose du style Carpenter.


En 2001, il se plonge à nouveau dans un univers futuriste, cette fois peuplé de spectres, dans Ghosts of Mars. Carpenter ne se contente pas de mélanger les genres, il divise aussi. Le film conte les aventures d’un groupe de policiers, venus transférer un criminel dangereux de la ville de Chryse, sur Mars (on est en 2176). Mais un groupe de guerriers s’adonne à de drôles de rituels à proximité… Encore une fois, le thème est la conquête de la liberté. Mais son film est baroque, déroutant, graphiquement très violent, baignant dans une drôle d’ambiance heavy metal. Mais le Maître a du mal à se renouveler. Utilisant l’auto-référentiel comme vertu cardinale, son opus est truffé de références à sa filmographie passée, mais aussi de décors « cheap » incompatibles avec le budget confortable que l’on a alloué à Carpenter. Le début du déclin de Big John ?
 

Il y a quelques années nous avons eu droit au remake du Fog du Maître, qu’il a scénarisé lui-même. C’est le jeune Rupert Wainwright qui le réalise, avec en tête d’affiche des stars montantes de la télévision et du cinéma de genre : Tom Welling (Smallville), Maggie Grace (Lost) et Selma Blair (Hellboy).
 
Depuis le Maître s'est fait plus discret : un segment de Cigarette burns, Fangland, un thriller vampirique, The Prince, sur un parrain de Las Vegas, un thriller carcéral avec Nicolas Cage, ou encore The Ward, sur un fantôme hantant un hôpital psychiatrique...
 
Voilà, en quelques mots, un rapide survol de l’œuvre de l’un des cinéastes qui auront marqué le cinéma de l’imaginaire. Touche-à-tout souvent inspiré (il cumule parfois les casquettes de réalisateur, producteur, scénariste, acteur, monteur et compositeur), il s’ingénie à explorer tous les genres (au sens noble du terme), brouillant les cartes, mais délivrant souvent un message politique destiné à ses contemporains. Souvent décrié, parfois incompris, il laisse rarement indifférent.

Spooky. 

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Publié le par Spooky
Publié dans : #Personnalités

 

Steven Spielberg est l'un des artisans du 7ème art. son oeuvre est immense, souvent brillante, mais qu'en est-il dans les détails ?
Passons d’abord en revue son impressionnante filmographie. Né en 1946 à Cincinatti, il est très tôt porté vers le 7ème art, puisqu’il réalise à 12 ans un western de 4 minutes, The Last Gun. En 1963, Firelight est sa première oeuvre de science-fiction, son domaine de prédilection. Puis vient en 1968 Amblin, le court-métrage qui le fera connaître du petit monde du cinéma. Les studios Universal lui confient alors la réalisation de séries télé, dont un épisode de Columbo... En 1970 il réalise Duel, un téléfilm tétanisant contant une course-poursuite entre une automobile et un camion, dont on ne voit jamais le chauffeur. Ce film est toujours considéré comme une référence, 32 ans après. Le film sera distribué en salles à l’étranger. En 1975 sort son premier long-métrage de cinéma, Les dents de la Mer (Jaws) ; mise en scène magistrale, musique lancinante, suspense orgasmique, le film est un énorme succès.

 

 

Ensuite vient le film-référence sur le thème des OVNIs, Rencontre du troisième Type, avec une performance incroyable du réalisateur français François Truffaut dans l'un des rôles principaux. En 1979, Spielberg surprend son public en livrant 1941, qui raconte de manière loufoque la tentative d’invasion de la Californie par les Japonais. A mourir de rire, mais le film est un échec commercial. Spielberg se tourne alors vers un autre type de héros, un archéologue un peu aventurier qui se sort des situations les plus tordues avec un cynisme désarmant ; il s’agit bien d’Indiana Jones, campé par un Harrison Ford au sommet de sa forme dans Les Aventuriers de l’Arche Perdue, qui sort en 1981. Une réussite incontestable, qui sera suivie de deux (bientôt trois) suites, toutes réalisées par Spielberg, couronnées de succès.

 

 


En 1985, il surprend le monde du cinéma avec La Couleur Pourpre, une oeuvre dense et émouvante sur la tolérance et le respect. Succès critique et public en poche, il enchaîne deux ans plus tard avec L’Empire du Soleil, qui propose une vision enfantine du second conflit mondial. Après le troisième volet des aventures d’Indy, il s’attelle à Always, histoire de fantômes, de rédemption et d’amour, qui essuiera un cuisant échec public. En 1991 sortira ce qui sera probablement son plus mauvais film, Hook. Truffé de clichés, lent et tape-à-l’oeil, il s’agit d’un invraisemblable raté artistique.

 

 

Il revient alors vers la SF et adapte à l’écran le très bon roman de Michael Crichton, Jurassic Park, métrage qui bénéficie des dernières techniques d’effets spéciaux. En son temps, le film à dinos battra tous les records et deviendra le plus grand succès de tous les temps. Laissant son équipe boucler le montage final, il s’envole pour Cracovie et un autre choc cinématographique : La Liste de Schindler. Sept oscars plus tard, il réalise en 1997 coup sur coup Le Monde perdu (suite de Jurassic Park) et Amistad. Malgré le semi-échec de ce dernier, Spielberg revient à la Seconde guerre mondiale avec le blockbuster Il faut sauver le soldat Ryan. Oeuvre magistrale, qui pose la question du prix d’une vie humaine, et permet à son réalisateur de rentrer définitivement au panthéon d’Hollywood.

 

 

Lorsque Kubrick décède, en 1999, il reprend le projet sur lequel travaillait son ami et mentor, ce qui donnera AI, film brillant sur le plan technique, mais souffrant d’une fin proprement gerbante. Minority Report est son 20ème long métrage ; on dit que c’est le meilleur. Faites votre choix.

 

A partir de 2003 Spielberg diversifie énormément sa filmographie. Arrête-moi si tu peux est une sorte de thriller humoristique où Leonardo diCaprio et Tom Hanks se courent après. Spielberg retrouvera Tom Hanks pour le Terminal l'année d'après. En 2005 il réalise une version péchue de La Guerre des Mondes, le classique de la SF d'HG Wells. Dommage qu'il y ait Tom Cruise dedans. depuis l'acteur s'est complètement discrédité en faisant du prosélytisme pour l'église de scientologie au lieu de promouvoir le film de son ex-ami Stevie.

 

En 2006 Spielberg revient au film de conscience politique en réalisant Munich, dontle sujet est la prise d'otages d'athlètes israeliens par un commando palestinien lors des Jeux olympiques de Munich en 1972. Un beau film, un peu opaque par moments. En 2008 il revient à un de ses personnages fétiches. en effet le 4ème Indiana Jones sort, et les fans sont déçus : Harrison Ford n'a plus 20 ans (il en a même 65 !) et il a un fils. Stevie met de côté sa carrière de réalisateur pour produire beaucoup d'oeuvres (voir par ailleurs), mais il a encore beaucoup de projets devant lui, notamment une adaptation de Tintin et le secret de la Licorne (mais oui, c'est très sérieux ma bonne dame !), un Indiana Jones 5 (à l'hospice), une biographie de Martin Luther King, une autre de Lincoln...

 

A côté de sa vie de réalisateur, Spielberg a aussi vécu celle d’incubateur et de découvreur de talents.
On le retrouve en producteur sur des épisodes de la 4ème Dimension, Poltergeist (qu’il a également écrit), Gremlins 1 et 2, Retour vers le Futur 1, 2 et 3, l’Aventure intérieure, Miracle sur la 8ème rue, Qui veut la peau de Roger Rabbit ?, la série télé Tiny toons, Arachnophobie, Jurassic Park III...
En 1995, il s’unit à David Geffen et Jeffrey Katzenberg pour créer le studio DreamWorks SKG (“le rêve fonctionne”). Les premières créations télévisuelle, Urgences (écrit par Crichton) et Spin City, sont des succès. Suivront Band of Brothers (produit par Tom Hanks) et High Incident. Forts de ce parcours, les golden boys accumulent les projets cinématographiques : Le Pacificateur de Mimi Leder, Amistad et Soldat Ryan, Small Soldiers, FourmiZ, Le Prince d’Egypte, La Route d’Eldorado, Gladiator, Men in Black 1 et 2, American Beauty, Apparences, Deep Impact, La légende de Zorro, Mémoires de nos pères/Lettres d'Iwo Jima, le diptyque de Clint Eastwood, Transformers (et ses suites), Lovely Bones, le dernier film de Peter Jackson... Parallèlement, les autres départements se développent ; côté musique, George Michael, EELS ont signé des contrats. Un département “interactive” a même vu le jour. Mais c’est bien le département cinéma qui booste la firme ; films de genre, science-fiction, animation, aventures, peplum... DreamWorks essaie de balayer large. Entre concurrence directe (on se souvient des duels Deep Impact/Armageddon et FourmiZ/1001 Pattes) et alliances avec les autres majors, contraintes du marché obligent, DreamWorks contribue à forger la légende de Steven Spielberg, l’enfant de Cincinnati.

 

Spooky.

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités


En passant, je vous signale l'excellente interview de Vladkergan, fondateur du site vampirisme.com, auquel votre serviteur participe de temps à autre.
Cette interview est très intéressantye, Vladkergan s'y essaye à une synthèse historique de l'oeuvre vampirique, du 18ème siècle à nos jours, sans oublier les principales figures du genre. Belle performance. Par ailleurs il présente son blog, devenu en peu de temps une référence sur le sujet.

Je vous invite donc à aller lire cet entretien qui plaira à tous ceux qui s'intéressent aux littératures fantastiques.

En plus c'est un ami :)

Spooky.

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités



L'écrivain, réalisateur et scénariste américain Michael Crichton, est décédé en novembre 2008. Romancier à succès (je vais y revenir), médecin de formation à l'affût des dernières explorations scientifiques, c'est indéniablement un auteur majeur des littératures de l'imaginaire qui disparaît.

cet ancien médecin, né en 1942 à Chicago, commence à écrire des romans policiers à l’âge de 23 ans. En 1969, il publie La Variété Andromède, qui parle de l’invasion d’un virus extraterrestre. Le succès venant, il décide de devenir écrivain à plein temps. Ne tenant pas en place, il sillonne l’Asie, gravit le Kilimandjaro, traque le gorille et l’éléphant d’Asie. S’intéressant à une multitude de sciences et techniques (primatologie, neurobiologie, biophysique, économie, histoire des pays nordiques et génétique... entre autres), il les applique dans des romans souvent brillants, aussi bien au niveau technique que de l’écriture.
Interrogé sur sa manière de travailler, Crichton révèle quelques éléments : il s’installe à l’écart de chez lui, de manière assez régulière : un démarrage lent, un arrêt, puis une reprise et une activité allant crescendo jusqu’à la conclusion de l’ouvrage. Ses sujets ? des thèmes qui secouent l’actualité, voilà pourquoi on se sent si proche de ses histoires. Crichton réalise des dossiers, composés d’articles de presse (spécialisée ou non), d’études et de documents divers. Et ceci dans toutes les directions : géopolitique, religion, physique, bioéthique, sociologie, botanique... Les dossiers s’accumulent, et un jour, Crichton sent qu’il est mûr pour en faire le sujet d’un livre. Il essaie toujours de placer son personnage principal dans une position inextricable. Ses textes répondent à une double exigence : la rigueur scientifique, mais également le divertissement pour le lecteur lambda de thrillers.
 
En prise directe avec son époque, soucieux des préoccupations de la société, Michael Crichton prouve à chaque sortie qu’il est un grand auteur.

Considéré comme le père du techno-thriller, il a écrit un certain nombre de romans considérés comme des références. Le plus connu d'entre eux est bien évidemment Jurassic Park (1990), qui évoquait la possibilité de faire revivre les dinosaures à notre époque à partir d'un échantillon d'ADN. On connaît le destin de cette histoire, avec à la clé un record historique pour son adaptation cinématographique par Steven Spielberg en 1993. Mais il a écrit aussi d'autres histoires, tout aussi passionnantes : je citerai Le 13ème guerrier, Sphère, Prisonniers du temps, Etat d'urgence ou encore La Proie, les quatre derniers appartenant à ce sous-genre du techno-thriller où la science est une toile de fond, mais aussi une finalité pour nous raconter une histoire toujours nerveuse, enlevée, dynamique. Le 13ème guerrier est une sorte de relecture du mythe de Beowulf, au coeur des traditions nordiques. En-dehors de ce sous-genre de prédilection, il fait des incursions dans le thriller tout court : Harcèlement, Soleil levant, Un Train d'or pour la Crimée, tous adaptés avec plus ou moins de bonheur sur grand écran. Vous avez certainement vu l'un ou l'autre de ces films. J'oubliais aussi Congo, où une expédition scientifique part au coeur de l'Afrique pour explorer une cité mythique sur laquelle régneraient de grands singes... Je pourrais vous parler aussi de L'Homme terminal, de La Variété Andromède, excellents romans eux aussi. Crichton a aussi créé et produit la série télévisée Urgences, et s'est essayé à plusieurs reprises à la réalisation : on citera Mondwest, un western science-fictionnesque avec Yul Brynner, ou Runaway, l'évadé du futur, deux longs-métrages où les robots tiennent une grande part...  Il a aussi scénarisé Twister, intéressant thriller climatique réalisé par Jan de Bont en 1996.

Crichton était un écrivain populaire : il a vendu plus de 100 millions d'exemplaires de ses romans, écrits sur une période de 40 ans, traduits en 30 langues et parmi lesquels on trouve une dizaine de best-sellers. Aussi bien par ce volume de livres vendus que par la taille (il culminait à 2m06), il constituait avec Stephen King l'un des plus gros vendeurs de best-sellers au monde.



Diplômé de médecine d'Harvard, Crichton s'intéresse très tôt à notre environnement. Il fait d'ailleurs partie des sceptiques du réchauffement climatique, et surtout de son origine humaine. Il fut interrogé sur le sujet par une commission du Sénat américain, s'attirant les foudres des vrais spécialistes du sujet. Son roman Etat d'urgence témoigne d'ailleurs de ses convictions sur le sujet. Il est membre du Conseil d'administration de The Gorilla Foundation, fondation pour la protection des gorilles.

Crichton avait le souci d'écrire des intrigues carrées, impitoyables, qui vous rendaient incapable de lâcher ses bouquins (je me souviens d'avoir lu Sphere dans des conditions très difficiles il y a quelques années), avec toujours des fondements scientifiques incompressibles, et même parfois d'imaginer des prospectives sur ces bases. Lisez La Proie, un thriller haletant sur les nano-technologies et vous comprendrez. On y retrouve le thème de la boîte de Pandore ouverte par des scientifiques sans scrupules, très vite dépassés par les conséquences de leur geste. Crichton restera sans doute comme un auteur majeur de ce tournant entre deux siècles, où les frontières de la science, notamment en matière de génétique, sont en train d'être repoussées de façon incroyable. Il aura inspiré beaucoup d'étudiants dans ses champs d'investigation, et aussi fait frissonner des centaines de millions de personnes avec ses velociraptors gambadant à notre époque.

Voici quelques-unes de ses oeuvres, dont beaucoup ont été marquantes (les dates entre parenthèses sont celles des parutions en France, et des sorties des adaptations cinéma éventuelles) :

La Variété Andromède (1970) : Un virus extraterrestre tente de décimer les humains. La résistance s’organise.

 
Extrême urgence (1973) : Un médecin asiatique est suspecté d’avoir tué une jeune femme marginale. Edgar du meilleur roman policier 1973.

Mondwest (1973) : Un robot qui a les traits de Yul Brynner mène la révolte des machines dans un futur à la Meilleur des Mondes. Un "grand" auteur nous a quittés.
L’Homme terminal (1974) : Un homme sur le cerveau duquel on a fait des expériences tente d’aller plus loin en ingérant différentes drogues.

 
Un Train d’or pour la Crimée (1978/1979) : 1855, Edward Pierce décide de dévaliser le train qui transporte les lingots d’or destinés à payer les soldats anglais qui se battent en Crimée.

Looker (1981) : Ce film montre comment une clinique de chirurgie esthétique tente de remplacer des mannequins par des images numériques. Inédit en France.

Runaway (1984) : (avec Tom Selleck) Dans un futur relativement proche, toutes les tâches domestiques sont accomplies par les robots. Lorsque certains d'entre eux tombent en panne, une section spéciale de la police est chargée de les neutraliser...
Sphère (1988/1998) : Un groupe pluridisciplinaire de scientifiques est envoyé au fond des océans à la rencontre d’un étrange vaisseau spatial. Le film de Barry Levinson vaut plus que les critiques assassines reçues à sa sortie. A noter un casting de stars (Dustin Hoffman, Sharon Stone, Samuel L. Jackson).
Jurassic Park (1992/1993) : Avant le choc cinématographique réalisé par Spielberg, il y eut un roman palpitant et véritablement révolutionnaire.

Soleil Levant (1993/1992) : Deux policiers, dont un vétéran féru de culture japonaise, vont mener l'enquête sur un crime commis dans le milieu nippon de Los Angeles.
Harcèlement (1994/1994) : Deux anciens amants se retrouvent en bonne place pour obtenir la même fonction, au sein de la même entreprise. Chacun accusera l’autre de harcèlement sexuel. Le film avec Demi Moore et Michael Douglas fit beaucoup parler de lui en son temps.
 

Urgences (1994) : cette série très connue en est à sa treizième ou quatorzième saison. Elle montre, avec pas mal de réalisme, le quotidien du service des urgences d’un hôpital de Chicago.

 

Congo (1995/1994) : Une chaîne volcanique aux confins du Zaïre et de l’Ouganda recèlerait des gisements de diamants d’une pureté inégalée. Mais les lieux sont gardés. Le film qui en fut tiré s’avère d’une facture honnête.
 
Le Monde perdu (1996/1997) : Crichton a écrit cette suite de Jurassic Park dans l’optique d’une nouvelle adaptation au cinéma. Il s’agit également d’un hommage au roman éponyme de Conan Doyle, au sujet semblable.
 
Twister (1996) : Eh oui, Crichton a co-écrit avec son épouse le scénario du décoiffant blockbuster de Jan de Bont.

Les Mangeurs de morts (1996/1999) : Adapté au cinéma par John Mc Tiernan sous le titre Le 13ème guerrier, ce roman conte l’aventure d’un noble arabe envoyé en exil en Scandinavie au 10ème siècle. Histoire vraie, choc des cultures que Crichton a trouvé dans des écrits anciens.
Voyages (1998) : Crichton assume ses penchants “New Age” et raconte dans cet essai sa quête du monde de l’au-delà et ses expériences paranormales.
Turbulences (1999) : Basé sur plusieurs faits réels, ce roman conte une catastrophe aérienne due à des turbulences d’une violence extrême, et qui aura des répercussions sur des tractations économiques avec la Chine.

Prisonniers du temps (2001/2002) : Trois jeunes historiens se plongent dans la théorie des quanta. A l’aide de cette technologie, ils vont voyager dans le temps. Ils se transportent dans la Dordogne médiévale et y trouvent tout autre chose que ce qu’ils y attendaient. Le film de Richard Donner est un authentique nanar.

La Proie (2002) : La bioéthique est au coeur du débat public. S’emparant du thème des nanomachines et du génie génétique, Crichton prouve encore une fois qu’il est en phase avec son temps, mais aussi qu’il est un excellent conteur d’histoires.

Spooky.

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités

Nota : Nicolas Stanzick étant intarissable, son interview a dû être rallongée, et donc coupée en deux parties. Vous trouverez la première partie ici.


Le vampirisme semble un domaine imaginaire sans limites, alors qu’il est arrivé tardivement en France. C’est pourtant la Hammer qui a sublimé le sujet avec ses multiples adaptations de Dracula. Peut-être y en a-t-il trop eu, non ?

 

Evidemment, un chef d’œuvre comme Le Cauchemar de Dracula n’a pas grand-chose à voir avoir avec sa lointaine et médiocre suite Dracula vit toujours à Londres. Mais c’est la loi du genre. Lorsqu’on observe l’histoire du cinéma fantastique, et en particulier les films de vampire, on s’aperçoit qu’il y a toujours un film qui fait date, puis des suites de moins en moins intéressantes : petit à petit le mythe se vide de sa substance, jusqu’à ce qu’un nouveau film reprenne les choses à la base, les réinvente, les réactualise. Ça a été le cas des Dracula de chez Universal ; le plus beau c’est bien évidemment celui de Tod Browning, tandis que dans Abbott et Costello contre Frankenstein, Bela Lugosi reprend à nouveau son rôle titre sous une forme quelque peu désincarnée. Douze ou treize ans plus tard, la Hammer régénère complètement le mythe en lui imposant une nouvelle iconographie avec Le Cauchemar de Dracula… Etc. Jean Boullet a parfaitement résumé le phénomène dans le n°1 de Midi-Minuit fantastique un célèbre article intitulé Terence Fisher ou la permanence des mythes. Je l’ai déjà dit, la grande force de Terence Fisher par rapport au mythe du vampire, c’est d’avoir pris à bras le corps la dimension érotique de Dracula. Il n’y a pas un plan, dans le film de Fisher, qui ne soit au service de ce questionnement, rien n’est gratuit. Le moindre élément de montage, la moindre transition servent ce propos-là. A l’heure actuelle le mythe se réinvente toujours. Coppola a réussi un film somme avec son Dracula en 1992. C’est un film qui fête à la fois le centenaire du cinématographe (1995) et celui du livre de Stoker (1897) : le comte vampire y apparait comme une métaphore du cinéma qui vampirise le réel pour en projeter un double sur l’écran et le film s’assume donc comme une histoire du cinéma, comme une histoire du mythe de Dracula pendant cent ans d’existence du septième art. Depuis, avec Dracula ou les pages tirées du journal d’une vierge, Guy Maddin a proposé une nouvelle version du mythe, féministe de manière inattendue et passionnante, en suggérant que Dracula n’existerait peut-être que dans le songe des femmes sous forme de fantasme. Bref, on n’en a pas fini avec Dracula et les vampires au cinéma….

 

 

La Hammer a cessé ses activités cinéma en 1979, mais elle vient d’être rachetée par Endemol, célèbre société de divertissement qui est le leader de la télé-réalité. Quel est ton sentiment sur ce retour ?

 

Il y a d’abord une crainte, puisque cela s’inscrit dans une  tendance actuelle qui voit tous les objets contre culturels de naguère se faire récupérer. Et puis Endemol, c’est quand même tout l’opposé de ce que fut la Hammer dans les années 60 : pas de subversion chez eux, juste une production qui relève de la culture de masse dans ce qu’elle a de moins excitant. Cela dit, il y a tout de même un point commun entre les deux : Télérama condamne aujourd’hui Endemol d’une manière aussi définitive que la Hammer hier…[rires] La manière optimiste de voir les choses serait de regarder leur première nouvelle production, Beyond the Rave, qui a défaut d’être un chef-d’œuvre ni même un bon film témoigne d’une identité Hammer, qui reste extrêmement identifiable aux yeux du public et des professionnels des medias d’aujourd’hui. Car Beyond the rave, c’est ni plus ni moins qu’une histoire de vampire anglais sur un scénario qui manifeste une même volonté de remise au gout du jour que Dracula 73 il y a 35 ans. C’est vrai que Dracula 73 ce n’était pas une grande réussite cela dit… […] Si dans les années à venir, l’identité Hammer est respectée, si – soyons utopistes – elle se réactualise sans se renier, et bien pourquoi pas ? Peut-être que de bonnes choses peuvent naitre de cela. Après tout, ce n’est sans doute pas l’intérêt commercial d’Endemol que de casser le « joujou » Hammer : peut-être y a-t-il des exécutifs intelligents en son sein qui sauront éviter de mauvaises décisions. Donc, ne condamnons pas par avance ces nouvelles productions. Essayons de leur donner leur chance en ayant à l’esprit que le miracle Hammer, cette historique rencontre entre un grand auteur de cinéma, Terence Fisher, de très grands acteurs, Peter Cushing et Christopher Lee, une équipe technique brillantissime, Jack Asher, James Bernard, Anthony Hinds, Roy Asthon ou Bernard Robinson, le tout dans cette époque charnière des années soixante où avant-garde et culture populaire se nourrissaient mutuellement et s’entremêlaient parfois, a très peu de chance de se reproduire. Tel Dracula, la Hammer renaît aujourd’hui de ses cendres et ce seul évènement est en soit bien sympathique…

 

As-tu vu tous les épisodes sortis jusqu’à présent ?

 

Je n’en ai vu que le début, mais je préfère attendre que le DVD  sorte, ce qui devrait survenir sous peu, pour le regarder dans de bonnes conditions. Voir une série sur MySpace, c’est intéressant du point de vue marketing, mais j’ai envie de le voir plus confortablement. Cela dit, bonne nouvelle, j’ai entendu dire récemment que la Hammer s’apprête à produire un deuxième long-métrage, qui devrait avoir droit à une vraie distribution en salles. Il s’agirait d’un film fantastique, mais je n’en sais pas plus.

 

Tu penses qu’il y aura d’autres films ?

 

A priori oui, le côté rassurant dans le fait qu’Endemol soit derrière la Hammer, c’est qu’ils ont de gros moyens financiers. Donc ils peuvent produire des choses. Après, marchera, marchera pas, on verra, je n’en ai strictement aucune idée.

 

Aujourd’hui, pour toi, quels artistes semblent prolonger l’esprit de la Hammer ?

 

Très honnêtement, c’est un peu comme si on se posait la question d’une descendance de John Ford… C’est un cinéma qui s’est imposé partout. Tout le cinéma contemporain, à un moment donné, doit quelque chose à la Hammer. Les films de Fisher, Gilling, Sharp et consorts ont vraiment constitué un palier nouveau dans la représentation graphique de l’horreur, de l’érotisme à l’écran. Mieux : ils constituent une anthologie de classiques qui ont renouvelé tous les mythes classiques sur lesquels le cinéma fantastique s’est toujours épanoui et c’est fort de cet acquis que le genre a pu explorer d’autres territoires durant les années 70 et 80. Prenons le cas par exemple d’un Romero qui a priori incarne une rupture vis-à-vis de la Hammer en 1968 avec La Nuit des Morts-vivants. Il me semble que son Dawn of the Dead doit en réalité beaucoup au travail de Fisher et notamment à son film-testament, Frankenstein et le monstre de l’enfer : les scènes de carnages cannibales qui ont fait la gloire de Romero semblent tout droit découler de l’extraordinaire séquence de dépeçage du monstre par la foule des aliénés qui conclue l’ultime opus fisherien. Il me semble même que Day of the Dead est à la fois un hommage explicite aux Frankenstein de la Universal, notamment à cause de Bub le sympathique zombie, mais aussi à ceux de Fisher, à cause du Dr Loomis : à l’instar du baron interprété par Peter Cushing, ce personnage  surnommé « Frankenstein » dans le film, fait preuve de la même atrophie du sentiment moral devant l’horreur de ses expériences. A la limite, même avant la rupture Romero il n’est pas absurde de penser que les carrières de Bava, Corman ou Franco auraient pu prendre des tournures très différentes sans l’irruption de la Hammer. Sans Fisher, on aurait peut-être pas eu droit aux délires gothiques de Bava avec ses violentes et oniriques couleurs baroques, et donc sans doute aurions-nous aussi été privé d’Argento ! Voilà le premier élément de réponse, le plus évident, quant à l’influence contemporaine de la Hammer. Il existe d’autre part aujourd’hui un cinéma de genre que l’on peut qualifier de post-moderne,  né au détour des années 70 avec Star Wars, et qui à sa manière a largement fait revivre la Hammer à l’écran ces dernières années. C’est par exemple le cas d’un Tim Burton qui dans des films comme Sleepy Hollow ou Sweeny Tod, nous offre bien davantage qu’une vaine collection de citations de ses films gothiques préférés : il réinvestit et projette sur l’écran ses émotions cinéphiles fondatrices, le souvenir de sa découverte du Cauchemar de Dracula, du Chien des Baskerville, de La Gorgone mais aussi Bava, Corman etc. C’est une tendance dans laquelle s’inscrit également Tarantino ou Rodriguez avec Leone en ligne de mire et qui consiste à dire : « le genre est mort, il ne nous reste donc plus qu’à filmer les émotions qu’il a jadis suscité en nous ». Naturellement, si une certaine économie de cinéma est effectivement morte – celle du cinéma bis à laquelle appartenait la Hammer – le genre ne meurt jamais vraiment et des gens comme Tim Burton, Quentin Tarantino ou Edgard Wright contribuent en réalité à le réinventer de manière toute personnelle. Pour moi Sweeny Tod est un authentique chef d’œuvre qui parvient ainsi à faire revivre tout ce pan de cinéma incarné par la Hammer. En France, Christophe Gans a tenté quelque chose du même ordre avec Le Pacte des loups, à ceci près qu’il a ajouté à son introspection cinéphile une réflexion plus intellectualisante sur le rapport de la France au fantastique. En gros, en s’attaquant à un mythe français, celui de la bête du Gévaudan, il s’amuse à fantasmer ce qu’aurait pu donner l’équivalent de la Hammer sur le territoire français, si une telle maison de production avait existé ici. Au-delà de l’influence pour le seul genre fantastique, il me semble que les grands classiques du studio se sont aussi imposés de manière plus universelle. Là il faut faire un distinguo entre l’auteur Fisher et le label Hammer. Prenons quelqu’un comme Scorsese : je crois très sincèrement que sa manière de filmer le sang doit quelque chose à Fisher. Dans Les Infiltrés, j’ai été frappé par cette séquence où l’on voit revenir Nicholson d’une arrière boutique où il vient de torturer quelqu’un, les mains couvertes de sang : on croirait presque voir  le sinistre Van Helsing incarné par Cushing, les mains également salies par la mise à mort de quelques vampires… Il me semble que Scorsese emprunte ici à Fisher son esthétique sanglante métaphysique si personnelle et identifiable. De même, je n’exclus pas que son Temps de l’innocence ne doive quelque chose au travail sur les costumes et la reconstitution historique des meilleurs Fisher. D’une manière générale, la plupart des Fisher gothiques sont des chefs d’œuvres qui appartiennent aujourd’hui à la mémoire collective. C’est un cinéma qui s’est imposé et c’est par exemple dans cette perspective qu’il faut comprendre toutes les multiples citations de la Hammer dans le dernier Star Wars : Lucas ambitionne en bon disciple de Joseph Campbell de faire fusionner toutes les grandes mythologies du monde en un « mono-mythe » et tente pour cela une grande synthèse de tous les genres du cinéma et de toutes les cinématographies du monde. Lorsque dans l’épisode III vient le moment de questionner le rapport du héros à la mort, naturellement sont invoqués à travers la figure d’Anakin/Vador les mythes de Dracula (la survie blasphématoire), de Frankenstein (une créature de l’empereur), de Jekyll et Hyde (la schizophrénie du personnage) et les emprunts à Fisher pullulent comme autant d’images qui appartiennent désormais à l’imaginaire collectif : Vador pleurant face à la lave, comme jadis pleurait Léon le loup-garou sur son humanité perdu, Anakin brulé vif dans une gestuelle toute droit sorti du Cauchemar de Dracula etc… Le recours à Peter Cushing et Dave Prowse dans la première trilogie ou à Christopher Lee dans la deuxième ne doit rien au hasard dans cette perspective. Fisher a été célébré l’année dernière dans cette institution qu’est la Cinémathèque française et pour reprendre l’expression de Noël Simsolo, il est désormais « un cinéaste qui arrive tôt ou tard dans le patrimoine cinématographique des gens de moins de cinquante ans qui font des films intéressants aujourd’hui ».

 

Dans le genre fantastique, quel est ton sujet de prédilection ?

 

Mon péché mignon de jeunesse, c’est bien évidement les vampires. Je suis toujours très curieux de voir les films qui sortent dans ce genre. Mon initiation au cinéma fut faite par le biais des vampires. Quand on s’intéresse à ça quand on est jeune, c’est une manière de découvrir à la fois la série B avec Terence Fisher, mais aussi de découvrir le cinéma lui-même avec Murnau, le côté classique avec Tod Browning, le cinéma d’auteur allemand avec Werner Herzog, la nouvelle vague européenne avec Roman Polanski… Si on prend la thématique du vampire, on pourrait presque faire une histoire du cinéma mondial à partir de cette figure. Cela nous amène à toutes les cinématographies du monde : l’Amérique du Nord, l’Espagne, le Mexique, le Japon, l’Europe centrale, la Russie… Tous les types de cinéma également, la série B, le cinéma d’auteur. Je me suis intéressé à cette figure-là, mais je ne me suis pas cantonné qu’au cinéma fantastique, je suis passionné par le cinéma dans son ensemble. J’adore Fritz Lang, Billy Wilder, Woody Allen, les frères Coen, Eastwood, Cronenberg, Lynch,  toutes sortes de cinéastes différents. Par contre, au sein du cinéma fantastique, plus ça va plus j’ai un goût pour le gore, en fait. Plus jeune, j’ai dû être marqué par certaines lectures de Télérama que mes parents achetaient. J’ai été marqué par ce réflexe critique puritain qui met d’un côté les films intelligents parce qu’ils se contentent de suggérer, et de l’autre les productions dénuées d’intérêt parce qu’elles montrent le sang à l’écran. En réalité la dichotomie ne se situe pas là. Le cinéma, ce n’est pas le réel, ce n’est qu’une image, et l’image se charge toujours de signes. Le sang à l’écran est intéressant dès lors qu’il est un signe. Le gore au cinéma a crée une esthétique. Chez Fisher le sang renvoie à la métaphysique, chez Dario Argento le gore sert la représentation de la fantasmatique du tueur, chez Romero les carnages cannibales renvoient à des questionnements politiques.... Et au-delà il y a quelque chose d’extrêmement jubilatoire, de totalement transgressif et libérateur dans le spectacle du sang qui coule à l’écran. C’est l’un des aspects extraordinairement beaux et réussis de Sweeney Todd, de Tim Burton : quel plaisir de voir les gorges tranchées et les corps tombés avec fracas contre le pavé de la cave du barbier diabolique !... [rires] On est tous régis par les figures d’Eros et Thanatos tapis au fond de notre inconscient. Le cinéma gore répond à nos pulsions de manière ludique et nous enrichis parce qu’il nous confronte à notre part d’ombre. C’est une chose qu’ont toujours détesté les moralisateurs, notamment chez la Hammer il y a cinquante ans : un cinéma qui nous révèle notre propre dualité, quelle horreur ! Au final, il n’y a rien de malsain ou de dégradant en soit dans le cinéma gore. Il ne s’agit que d’art, de représentation, d’esthétique. Ces films-là n’ont jamais incité au meurtre. C’est plutôt parce qu’il y a des meurtriers que ces films existent.

 

En-dehors du cinéma, tu as d’autres loisirs ? Des lectures peut-être ?

 

Je lis beaucoup de livres sur le cinéma ces derniers temps. Mon autre grande passion parallèlement au cinéma est la musique. Je suis musicien depuis longtemps, je suis dans un groupe de rock n’ roll, et pour moi il y a un vrai lien entre ce qui relève de la culture rock n’ roll et celle du cinéma bis, de la série B. J’ai par exemple découvert les Stones vers la fin de l’enfance, en même temps que les films de la Hammer. Pour moi Mick Jagger, Keith Richards ou Johnny Rotten étaient des figures subversives au même titre que Dracula et Frankenstein. Des monstres sacrés qui participaient d’une même culture anglo-saxonne, parfois même typiquement anglaise, et ce sont toujours des influences aujourd’hui. Avec mon groupe, Ultrazeen – on vient de sortir un nouveau disque début juillet –  nous faisons régulièrement nos entrées de scène sur le générique du célèbre Django de Sergio Corbucci, célèbre western spaghetti. On vient d’écrire un morceau qui s’intitule Wolverine, en hommage au personnage du comics éponyme et des X-Men. Il va d’ailleurs avoir droit à son propre film en 2009. Bref, tout cela fait partie d’un tout.

 

As-tu d’autres projets ?

 

J’aimerais bien écrire un second bouquin, j’hésite encore sur le sujet. J’aimerais bien continuer sur le cinéma fantastique des sixties, le gothique italien ou les productions de Corman… Il y a encore un vide éditorial en France à ce niveau-là. Pourquoi pas  également sortir de la série B et aller carrément vers Star Wars : il y aurait une fabuleuse étude de réception à faire sur le sujet, avec le point de vue de deux générations antagonistes sur deux trilogies produites à 20 ans d’intervalles, deux trilogies qui elles-mêmes ne cessent d’interroger la notion de point de vue chez leurs héros… J’ai en tête un gros projet la dessus. J’ai aussi de projets de radio et de fiction… We’ll see.

 

Quel est le prochain film fantastique que tu vas aller voir au cinéma, ou que tu vas regarder chez toi ?

 

Je viens de récupérer Caltiki - le monstre immortel, co-réalisé par Riccardo Freda et Mario Bava. Je vais peut-être le regarder ce soir. Ou alors Doriana Gray, de Jess Franco, que je n’ai jamais vu. C’est un film fantastique qui tire vers le porno expérimental. Je suis dans une période Jess Franco depuis la rétrospective qui a eu lieu récemment à la Cinémathèque française. Je me suis vraiment pris d’affection pour son cinéma.

 

Sur le web on trouve tes interventions sous le pseudo de Kurt Menliff. Ta préférence va vers le corps ou le fouet ?

Le corps ou le fouet dis-tu ? Mais l'un ne va pas sans l'autre !...


Merci Nicolas.

De rien.

 


Je vous invite à aller faire un tour sur la page MySpace de l'ouvrage de Nicolas.


Nicolas Stanzick


(1) professeur, écrivain, orateur et anthropologue américain, célèbre pour son travail dans les domaines de la mythologie comparée et de la religion comparée et notamment pour sa théorie du monomythe. George Lucas dit s’être largement inspiré de son ouvrage célèbre Le Héros aux mille et un visages (The Hero with a Thousand Faces), paru en français sous le titre de Les Héros sont éternels pour écrire Star Wars.


(2) Réalisateur, scénariste et romancier français.


Interview réalisée par Spooky.

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités


Quel est le point commun entre les vampires, Star Wars et Martin Scorsese ? La Hammer, comme va nous le démontrer Nicolas Stanzick, journaliste spécialisé qui vient de sortir un ouvrage sur cette célèbre firme cinématographique.

Bonjour Nicolas, peux-tu te présenter en quelques mots ?

 

Nicolas Stanzick : Je suis né à Poitiers, en 1978. J’ai grandi là-bas, et ne suis parti qu’à 20 ans pour poursuivre mes études d’histoire à Paris I Panthéon-Sorbonne. Je suis guitariste dans un groupe de rock’n’roll, Ultrazeen, et j’écris à l’Ecran fantastique. Depuis mon plus jeune âge, j’ai toujours eu une passion pour le cinéma, en particulier fantastique. Je crois que tout a commencé lorsque j’ai découvert à l’âge de cinq ans Le Retour du Jedi, en 1983. Une séquence m’avait vraiment fasciné, celle où Darth Vader enlève son masque et révélait son visage d’homme. C’est sans doute là que j’ai été séduit par l’un des fondements du fantastique au cinéma, la figure du double. Toute la cinématographie de Terence Fisher, par exemple, est fondée sur cette notion : Dracula a deux visages, celui de l’aristocrate racé jusqu’au bout des ongles, et celui de la bête fauve entièrement régi par ses pulsions. Bien sûr, je n’ai pas compris cela en des termes aussi intellectualisés à l’époque, c’était un choc esthétique plus qu’autre chose. Par la suite, l’autre évènement fondateur de ma cinéphilie a pris la forme d’une vision manquée. C’était en 1985, Le Cauchemar de Dracula est passé à la Dernière séance, l’émission d’Eddy Mitchell, en deuxième partie de soirée. J’avais vu des photos sur le journal télé, et j’avais absolument envie de voir ça. Evidemment mes parents me l’ont formellement interdit [rires] : c’était trop tard, c’était un film d’horreur, ce n’était pas pour les enfants… Hors de question que je voie ça ! De cette frustration est née ma passion pour les films de vampires. Je voulais tous les voir, et principalement ceux avec Christopher Lee dans le rôle de Dracula. Toutes les semaines, je guettais, dans le journal télé, la diffusion d’un de ces films. Ce qui n’arrivait quasiment jamais, bien sûr : le fantastique, ce n’était pas trop la tasse de thé des chaînes hertziennes de l’époque. J’ai dû attendre jusqu’en 1987 pour voir mon premier Dracula, avec Christopher Lee. C’était Dracula Prince des ténèbres. Si le film avais été mauvais, je l’aurais néanmoins aimé tant j’avais attendu ce moment. Comme il était bon, ce fut une vraie révélation, le vrai déclencheur d’une cinéphilie qui m’a mené à m’intéresser à la Hammer dans son ensemble, mais aussi à l’expressionnisme allemand, l’épouvante hollywoodienne classique, au fantastique moderne, à Lynch, Cronenberg, Carpenter et au cinéma en général. 

 

Nous parlons aujourd’hui de l’ouvrage que tu viens de sortir aux Editions Scali, Dans les Griffes de la Hammer. Comment en es-tu venu à t’intéresser à cette firme cinématographique ?

 

Il y a deux éléments d’explication : d’une part ce qui s’est passé dans mon enfance, dont je viens de te parler, et d’autre part mon parcours universitaire. J’ai fait des études d’histoire, mais très rapidement, j’ai cherché à travailler sur le cinéma. Par exemple, en UV d’histoire contemporaine, si on avait un travail à faire sur le fascisme, je me débrouillais pour faire un truc sur le cinéma nazi. Quand est arrivée la maîtrise, donc le moment où il me fallait opter pour un sujet de recherche, la Hammer s’est très rapidement imposé. Je voulais travailler sur le fantastique, je connaissais déjà bien ce pan de l’histoire du genre et le cycle Hammer était en tout point un objet idéal pour l’historien : c’est un corpus qui représente 20 ans de cinéma et qui, idéologiquement, économiquement, esthétiquement est extrêmement cohérent. Comment traiter un tel sujet en histoire ? J’ai choisi un angle totalement inédit, celui des gens qui ont aimé ou non – les deux regards m’intéressaient –  ce cinéma, qui l’ont découvert en France dans les années 1960. Bref, c’était une manière d’écrire une histoire culturelle du fantastique en France. Cette démarche me semblait prometteuse. Très vite, au bout d’un mois ou deux de recherches, je me suis rendu compte que ce parti pris allait être beaucoup plus payant que je ne l’avais imaginé. Car en France, c’est vraiment avec la vague de la Hammer Films que la cinéphilie du fantastique a débuté, c’est vraiment avec cette nouvelle galerie de monstre en technicolor que le grand public et la critique dans son ensemble s’est initié au genre. Voilà comment je me suis retrouvé à écrire cette histoire française de la Hammer. En réalité, dès la période universitaire, j’avais déjà en tête d’en faire un livre et cette idée me tenait très à cœur. Car au-delà de mon intérêt intellectuel pour le sujet, il y avait aussi quelque chose de très personnel dans ma démarche. Ecrire une histoire française de la Hammer lorsqu’on est soit même cinéphile, amateur de fantastique et amoureux  du studio londonien, c’est aussi interroger ses propres passions, son propre parcours. D’où viens-je ? Où vais-je ? Dans quel état j’ère ? [rires]…

 

Ton livre semble combler un manque au niveau éditorial. As-tu cependant eu des lectures particulières pour le préparer ?

 

Pour être précis, j’ai passé deux années entières à faire des recherches avant d’écrire la moindre ligne. Ce fut le gros du travail. Je me suis rendu en bibliothèque pour retrouver tout ce qui avait été écrit sur la Hammer à l’époque de sortie des films. Je m’attachais à faire l’histoire de la Hammer en France, il était donc vital pour moi de retrouver les traces de cette histoire. J’ai épluché toutes les revues de cinéma de l’époque de la manière la plus exhaustive possible : Les Cahiers du cinéma, Positif, Cinéma, Ecran, La Revue de cinéma… Mais aussi et surtout Midi-minuit fantastique, la première revue traitant de cinéma fantastique en Europe. A côté de ça, il y avait les livres sortis à l’époque, ceux de Gérard Lenne, Jean-Marie Sabatier, Jean-Pierre Bouyxou. C’étaient des pionniers. Avant l’apparition de la Hammer sur les écrans, il n’y avait absolument rien. Il y avait certes quelques cinéphiles, comme Jean Boulet, qui avaient vu des films Universal dans les années 1930, qui écrivaient à partir de leurs souvenirs dans d’obscures publications, mais c’était tout. Le cinéma fantastique était d’ailleurs considéré au mieux comme infantile, au pire comme « une école de perversion » qui allait créer des « générations de détraqués ». C’est texto ce qu’écrivait l’ancêtre de Télérama, Radio-Cinéma-Télévision, à la sortie du Cauchemar de Dracula en 1959.

 

 

Pourquoi avoir intégré une moitié d’interviews dans ton ouvrage, et ne pas en avoir fait un essai classique ?

 

En fait, les entretiens viennent s’ajouter à ce que tu appelles « l’essai classique » qui occupent les 200 premières pages du livre. Outre les sources de presse que je mentionnais à l’instant,  les chiffres du box-office que je suis allé retrouver au CNC, les affiches françaises d’époque et les pavés de presse, j’ai mis un point d’honneur à constituer moi-même de nouvelles sources en  recueillant les témoignages des acteurs de cette histoire française de la Hammer : critiques, fondateurs de revue et de festivals, cinéphiles, amateurs de bis… Au-delà de leur très précieuse utilité pour le texte que j’écrivais, je me suis vite rendu compte que tous ces entretiens constituaient quelque chose d’absolument passionnant en tant que tel, de parfaitement complémentaire avec mon texte. La cinéphilie est une passion pleine de contradictions : elle cherche à se constituer en communauté tout en se nourrissant d’émotions intimes qu’elle ne partage finalement pas si facilement. Retranscrire ces témoignages dans leur intégralité, c’était rendre tangible la dimension sensible, humaine, de cette histoire de la Hammer. Mieux : pour une cinéphilie qui se distingue par son gout des mythes, c’était mettre en avant tout une tradition orale qui est aussi le propre de la fantasticophilie. Ecouter Simsolo raconter s’être battu héroïquement à mains nues pour Fisher dans des ciné-clubs récalcitrants, Lemaire délirer sur ses souvenirs du Brady ou Romer fantasmer les incessantes allers et venues des spectateurs du Midi-Minuit comme de fantomatiques apparitions, ce n’est pas autre chose : même si ces anecdotes sont parfaitement fondées, elles finissent par participer d’une véritable mythologie cinéphile dans leur propos.

 

Tu n’interroges que des intervenants francophones dans ton ouvrage. Est-ce un parti-pris ? Un hasard ? Une obligation ?

 

C’est un total parti pris. La question sous-jacente de tout l’ouvrage était de comprendre la nature de cette étrange relation qui unit la France et le fantastique. Pourquoi le genre a-t-il été aussi longtemps diabolisé, alors même que c’est ici que fut inventé le cinéma fantastique avec les féeries macabres de Méliès ? Pourquoi l’avènement d’une cinéphilie fantastique n’a-t-il eu lieu que sur le tard, avec la Hammer, alors que des épisodes aussi marquants que le surréalisme, Cocteau, ou les films fantastiques de l’occupation auraient pu jouer un rôle similaire bien plus tôt ? Pourquoi peine-t-on à avoir un genre fantastique domestique ? Exemple symptomatique, en réponse à la Hammer, il y a en Italie tout un mouvement porté par Mario Bava, Riccardo Freda et Antonio Margheretti… Aux Etats-Unis, la réponse ce fut Roger Corman et tout ce qui s’en suivit à l’AIP. Les espagnols ont eu droit à Jess Franco dans les années 1960, Paul Naschy et Armando de Ossorio un peu plus tard… En France, Georges Franju fait avec Les Yeux sans visage en 1960, l’un des plus beaux films fantastiques de tous les temps, un chef d’œuvre absolu : pourtant le film ne lancera strictement aucun mouvement et restera une sorte de prototype de ce qu’aurait pu être le genre ici. Bref, la singularité du rapport français au fantastique, c’est une vraie question.

 

Et tu as trouvé une réponse à cette question ?

Il y a toujours eu, dans notre pays, cette idée que l’auteur était plus important que le genre. Or on a longtemps pensé que le genre fantastique, précisément, était incapable de fournir des auteurs. Certes dans les années 50, les tenants de la politique des auteurs qui œuvraient dans aux Cahiers du cinéma, Godard, Truffaut and co, ont choisi leurs auteurs favoris dans un cinéma commercial américain a priori impropre à en fournir : c’étaient Ford, Hawks, Hitchcock, Sirk, bref les rois du western, du film noir, du film à suspense ou du mélodrame. C’était une sorte de réflexe de dandy typique de la cinéphilie française et qui consiste en un processus d’intellectualisation du trivial. Les cinéphiles fantastiques n’ont d’ailleurs pas fait autre chose la décennie suivante, lorsqu’ils ont désigné Fisher comme leur emblème avec le numéro Un de la revue Midi-Minuit Fantastique. Mais avant cette date, il y a une telle inculture du genre fantastique en France, que tout le monde considère que ses codes sont trop contraignants pour laisser la moindre sensibilité d’auteur s’exprimer. Ce n’est pas du tout un hasard si les fondateurs de Midi-Minuit Fantastique ont défendu la singularité fisherienne : Michel Caen son plus fervent supporter avait vu les classiques de la Universal, adolescent à la télévision américaine. Il mesurait donc toute l’originalité du cinéaste anglais. Ça a été le début d’une vraie « bataille d’Hernani » autour de cette notion de genre, avec d’un côté la jeune cinéphilie fantastique emmenée par Midi-Minuit Fantastique et de l’autre un large front commun qui condamnait violemment ce « spectacle malsain et dégradant ». Les premiers ont crée une communauté de regard autour de ces films en sublimant la transgression esthétique que constituait le subtil alliage de sexe et de sang propre à la Hammer. Ils défendaient cette vision des choses dans des textes d’une redoutable intelligence subversive, souvent héritée d’une tradition surréaliste érotomane, anti-bourgeoise, athée et anarchisante. Ce n’est vraiment pas un hasard si la production Hammer leur a servi en  quelque sorte d’emblème. Ces films prenaient un malin plaisir à mettre en scène des monstres qui mettaient à mal les valeurs de la société victorienne, valeurs qui pour une part étaient toujours d’actualité avant 1968. Dracula, dans Le Cauchemar de Dracula, est un formidable révélateur de la phobie sexuelle victorienne. C’est le monstre qui réalise les fantasmes des jeunes filles esseulées, et en même temps il incarne la toute-puissance érotique à laquelle tout homme rêve de s’identifier, mais que la morale commune se doit de combattre. A la fin du film, Dracula se cache dans la cave de la famille bourgeoise à laquelle il s’attaque, très subtile manière de signifier que le vers est dans le fruit. Le démon fait donc craqueler ce carcan bien-pensant, moral, religieux propre à l’époque. Le monstre est une figure du mal du point de vue bourgeois  et se révèle être en contre-partie une entité libératrice, émancipatrice. Mais il est également une figure maléfique à un niveau plus universel, et c’est là toute la richesse dialectique des productions Hammer : le drame de Frankenstein ou Dracula, c’est leur volonté de puissance qui les conduit au meurtre, à l’autodestruction, à la tragédie… Subversifs, audacieux, ces films n’en relevaient pas moins d’une longue tradition populaire. Et d’ailleurs la jeune cinéphilie fantastique française, toute intellectualisée et libertaire qu’elle ait pu être revendiquait très clairement son ancrage dans la culture populaire : celle de la rue, du cinéma de quartier, des boulevards… En face, la presse catholique condamnait tout cela au nom d’une atteinte à la foi : faire de Dracula un héros, hors de question ! Sur ce point Télérama était la revue la plus virulente. Quand on relit ce qu’écrivait Gilbert Salachas, on est frappé de voir à quel point il dit du mal de ces films tout en parlant très bien !... [rires] Certes il les condamne, mais il décode avec une rare maestria la signification érotique des films de Fisher : le puritanisme a toujours eu une compréhension très aigue et donc suspecte de la perversion… La presse communiste elle, accusait le cinéma d’horreur de détourner de l’horreur politique réelle du monde. Et la cinéphilie classique se cachait derrière des alibis intellectuels pour masquer ce qui en fait était une vraie gêne face au genre : d’où la création d’une étonnante catégorisation avec l’émergence de la Hammer, celle des « films infantiles pour adulte »…  Bref, c’est avec la Hammer qu’on s’est initié ici, non seulement aux grands mythes que sont Dracula Frankenstein et consorts, mais au genre en tant que tel.

 

As-tu vu tous les films produits par la firme ?

 

Non [rires]. Il y en a trop et tous ne sont pas aisément disponibles. J’ai vu en revanche tous leurs films gothiques. Mon livre se concentre sur eux pour une raison évidente : la Hammer est d’abord célèbre pour son cycle gothique, c’est ce qui identifie le studio autant pour les  amateurs que pour le grand public. Certes, on ne peut pas réduire non plus la firme à ça. Ils ont produit aussi des films de science-fiction, des films noirs, des films d’aventure, des films de pirates, des productions d’aventures préhistoriques… Pour prendre le cas de Terence Fisher, il a eu une carrière passionnante bien avant Frankenstein s’est échappé. Il a fait des films noirs tout à fait remarquables. Dès 1952, il a réalisé par exemple un film intitulé The Last Page, une histoire de chantage rondement menée. On y trouve notamment  une séquence de meurtre  qui n’a rien à envier à celle magnifique, de House by the River de Fritz Lang. Il y a encore bien des films méconnus à découvrir au sein de la Hammer.

 

Le nom de la firme est indéfectiblement lié à ceux de grands noms du genre : Terence Fisher, Bela Lugosi, Christopher Lee, Peter Cushing. C’est aussi, dans les années 1950, la naissance des franchises cinéma, telles que Dracula et Frankenstein. Penses-tu que la firme était en avance sur son temps en termes d’industrie ?

 

Alors Bela Lugosi pas vraiment. Lorsque la Hammer naît en 1935, l’un des tout premiers films qu’elle produit est un film avec Bela Lugosi : The Mistery of the Marie Celeste. Peut-être était-ce une sorte de signe prémonitoire du penchant pour le fantastique qui allait sceller l’identité de la firme 20 ans plus tard, mais pour autant la collaboration avec Lugosi en est restée à ce film méconnu. Les franchises quant à elles ont toujours existé. La Hammer a eu l’intelligence de reprendre une formule commerciale qui lui préexistait, celle  du studio Universal dans les années 1930 avec son bestiaire fantastique développé de films en films, à partir du succès de Dracula et de Frankenstein. Ces séries étaient extrêmement populaires dans les années 1930. Suite au succès retentissant de  Frankenstein s’est échappé la Hammer a donc non seulement donné une suite au film, La Revanche de Frankenstein, mais a repris chacun des monstres du bestiaire Universal : Dracula, la momie, le loup-garou, le fantôme de l’opéra, Jekyll/Hyde etc. Au-delà de cette formule commerciale, la Hammer a également repris certains codes du genre initiés de manière spontanée par les géniaux pionniers qu’étaient Tod Browning et James Whale, mais pour le reste, c’était un cinéma d’une radicale nouveauté. La première rupture évidente, c’est évidemment l’usage du Technicolor. Les productions Hammer sont les premières à penser le fantastique en couleurs. Le vrai génie ici c’est Fisher, bien qu’il ne faille pas oublier son admirable chef-opérateur Jack Asher. Par son talent de metteur en scène, sa très grande rigueur dans le traitement des mythes fantastiques, et sa constance d’un film à l’autre, Fisher s’est révélé être véritable créateur de forme. Bien qu’il s’agisse d’abord d’un cinéaste thématique – son évolution vers une totale épure le montre – il est le premier, bien avant Bava, a avoir fait un usage formaliste de la couleur, ce qui lui a permis de développer une esthétique sanglante qui était aussi transgressive pour l’époque que personnelle. Chez lui, le sang est toujours un signe qui renvoie à d’angoissantes questions métaphysiques : il symbolise la pulsion sexuelle chez Dracula, l’idée d’âme au sens philosophique du terme chez Frankenstein. Et néanmoins, ce perpétuel questionnement métaphysique débouche toujours sur l’athéisme : Dracula n’est pas en lutte contre Dieu, mais contre son représentant qui prétend agir en son nom, Van Helsing, et de même l’échec de Frankenstein vient non de dieu mais des limites du monde dans lequel il vit.  C’est pour cette raison qu’on a parlé à propos de Fisher de « matérialisme fantastique ». Et lorsque Fisher ne filme pas le sang directement, une tâche rouge se promène systématiquement à l’écran, comme une déflagration qui contraste par sa violence avec les ton pastels ou automnaux qui dominent souvent ses films : c’est tel ou tel effet d’éclairage, un détail de mobilier, un rideau, un tableau, comme le signe d’une pulsion qui sommeille en tout homme et qui contamine nécessairement son point de vue sur le monde. Ce n’est pas pour rien que la critique bien pensante à parlé « d’obscénité de la couleur » chez Fisher. Et l’on touche ici à la deuxième grande rupture vis-à-vis du cycle Universal : les films de la Hammer étaient aussi des films érotiques. Non pas parce qu’on pouvait y voir la moindre nudité (ça n’a jamais été le cas à l’exception de quelques Hammer tardifs des années 70), mais parce que la sexualité était bien souvent le vrai sujet de ces films. Prenons Dracula : certes la composante sexuelle est présente dès Murnau, dès Browning, mais chez Fisher elle n’est plus à la périphérie, elle est le sujet même du film. Pour faire court, La Cauchemar de Dracula, c’est ni plus ni moins qu’un appel à l’orgasme, à une sexualité libre, folle, qui fait fi de toutes les conventions sociales, morales ou culturelles, et Van Helsing combat très clairement le comte vampire en se vivant comme un gardien de l’ordre moral. Ce qui m’amène à la troisième rupture vis-à-vis du cycle Universal : toutes les productions Hammer avaient pour cadre une société et une période historique très précises, l’ère victorienne, tandis que chez la Universal, tout se passait dans une Transylvanie d’opérette à une époque non identifiée. La Hammer a participé d’autre part, avec quelques années d’avance sur les Beatles et les Rolling Stones à l’émergence de la Révolution pop et de la contre-culture. Bref, si l’on reprend l’histoire du cinéma fantastique, il y a d’abord eu l’âge d’or allemand des années 20 qui offrait une sorte de représentation de l’inconscient collectif, puis l’ère américaine de la Universal durant les années 30 qui s’assumait comme la représentation poétique et déréalisée d’un imaginaire fantastique, puis la génération Tourneur, Wise, Robson sous l’égide de Val Lewton qui créa un cinéma de l’indicible et de l’invisible dans la décennie suivante. Avec la Hammer à la fin des années 50, pour la première fois nous avons droit à des monstres de chair et de sang qui évoluent comme autant de forces symboliques dans un monde bien réel : le nôtre.

 

Suite dans une prochaine note.

 

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités
J’ai rencontré Vincent au cours d’une séance de dédicaces d’Alan Lee, légendaire illustrateur des œuvres de Tolkien. Après avoir sympathisé, je lui propose de faire une interview, qui sera diffusé sur plusieurs blogs et sites web. Malgré son emploi du temps très chargé, il a la gentillesse d’accepter.



Bonjour Vincent, Pouvez-vous vous présenter en quelques mots ?
J’enseigne la littérature comparée à l’université Paris 13 (à Villetaneuse), mes recherches concernent le roman du XXe siècle, dans ses relations à la philosophie d’une part, au Moyen Âge d’autre part ; je suis également chargé de l’édition de l’œuvre de Tolkien aux Editions Bourgois depuis 2002 – je m’occupe des traductions (faites par Daniel Lauzon et Delphine Martin, en particulier), de la fabrication des livres, et je traduis moi-même certains textes.



Le grand public vous connaît essentiellement pour vos travaux sur Tolkien. Comment en êtes-vous venu à vous intéresser à ses écrits ?
Comme beaucoup de lecteurs de Tolkien, c’est à un ami que je dois sa découverte, vers l’âge de 15 ans. Je suis venu à Tolkien par la littérature médiévale ; j’ai toujours été fasciné par les récits arthuriens, et on m’a présenté Le Seigneur des Anneaux comme un livre qui me rappellerait la littérature médiévale. Ce n’est que vers 22 ans que j’ai commencé à écrire sur cet auteur, d’abord pour une maîtrise, puis pour mon premier livre, en 1998-1999.







Quel est votre rôle exact auprès de l’éditeur, les Editions Bourgois ?
En 2000, j’ai envoyé par la poste le manuscrit de mon premier livre sur Tolkien à son éditeur français, Christian Bourgois, qui l’a retenu ! Cette décision a changé beaucoup de choses dans ma vie. Très vite, nous avons parlé de la révision du Seigneur des Anneaux mais, de discussions en discussions, d’autres projets sont passés avant celui-ci. Depuis la disparition de Christian Bourgois en décembre 2007, c’est sa femme Dominique qui dirige seule leur maison d’édition ; et je travaille désormais pour elle : je propose des textes ou des idées, qu’il lui appartient de retenir ou non. J’essaie de concilier ce travail de conseiller avec mon activité principale, d’enseignant dans une université. Les deux me paraissent liés. Entre 2001 et 2008, 4 textes ont ainsi été republiés dans des éditions revues et augmentées (la Biographie de Carpenter, Faërie et autres textes, les Lettres du Père Noël… tandis que L’Anneau de Tolkien, par D. Day, a seulement été corrigé et que Le Silmarillion a été augmenté d’une préface et d’illustrations supplémentaires, par Ted Nasmith) ; 3 textes ont été publiés « autour de Tolkien » (le Cahier de croquis d’Alan Lee, et mes deux ouvrages : Sur les rivages de la Terre du Milieu et le recueil Tolkien Trente ans après) et nous avons édité 6 inédits de Tolkien : les Lettres, Les Monstres et les critiques et autres essais, Les Lais du Beleriand, La Formation de la Terre du Milieu, Les Enfants de Húrin et La Route Perdue (qui sort en octobre 2008). Soit 13 livres en 7 ans !





En 2002 vous avez dirigé l’édition augmentée et revue de la biographie de Tolkien, réalisée par Humphrey Carpenter. Qu’y a-t-il de nouveau dans cette nouvelle édition ?
La première chose à dire est que cette biographie de référence (c’est la meilleure publiée à ce jour, en anglais) était épuisée ! Christian Bourgois a trouvé pertinente l’idée de republier ce volume. Nous avons suivi la dernière édition anglaise, ajouté un cahier de photographies, des références bibliographiques récentes et un index détaillé, pour en rendre la lecture à la fois plus agréable et l’utilisation plus efficace.





Pouvez-vous nous parler du dernier livre sorti, Les Enfants de Húrin ? Sera-t-il la dernière des oeuvres de Tolkien traduites en France ?
Les Enfants de Húrin est le dernier texte de Tolkien publié par Christian Bourgois, qui a suivi sa fabrication jusqu’au bout. Nous sommes donc très heureux, pour sa mémoire, que le livre remporte un tel succès auprès des lecteurs et des médias ; très heureux aussi pour Christopher et Adam Tolkien1, car on sait que ce livre leur tient à cœur : il s’agissait de faire découvrir tout un pan de l’œuvre de Tolkien inconnu des lecteurs du Seigneur des Anneaux ou des spectateurs des films. Sur le plan humain et littéraire, on ne pouvait rêver plus grand succès.
Mais ce ne sera pas le dernier livre ! La Route Perdue paraît cet automne, et j’espère que Mr. Bliss suivra avant, peut-être, d’autres volumes de L’Histoire de la Terre du Milieu.



Où en est la nouvelle édition du Seigneur des Anneaux, avec la traduction de Francis Ledoux révisée ?
Ce projet, commencé en 2000 avec 9 collaborateurs en était arrivé à un stade avancé lorsque nous avons suspendu le travail, pour donner priorité à la publication des inédits et des republications que j’ai évoqués. En 2007, Christian Bourgois souhaitait vivement que le travail reprenne, mais je ne pouvais pas mener de front cette révision et le travail de publication d’inédits. J’espère qu’il va être possible de relancer prochainement la révision.





Vous avez participé en tant que conseiller à la traduction française de l’adaptation du Seigneur des Anneaux sur grand écran… J’aurais aimé voir une de vos interventions sur les DVD…
J’ai effectivement travaillé comme conseiller sur la traduction française du premier film, par curiosité ; mais je n’ai pas voulu poursuivre cette expérience – il me fallait terminer ma thèse, en 2002-2003 ! De ce fait, j’aurais jugé ma présence sur un DVD, évoquée par le distributeur, très déplacée ; cela dit, les « spécialistes » que l’on entend dans les bonus ne sont pas forcément ceux qui ont le plus de choses intéressantes à dire… dommage que Tom Shippey, Verlyn Flieger ou Thomas Honegger, pour citer ceux qui à mes yeux sont les meilleurs spécialistes de Tolkien aujourd’hui, n’aient pas été davantage sollicités.
Le véritable prolongement du film, en ce qui me concerne, a été le travail en collaboration avec John Howe (des expositions, comme à la BnF en 2003-2004 ; un livret ; des conférences à St Ursanne, en Suisse, où il était artiste en résidence) et Alan Lee (la traduction de son livre, le Cahier de croquis ; des conférences ensemble), ce qui est aussi inattendu que formidablement stimulant.


Dans votre interview sur Tolkiendil.com*, vous dites que Peter Jackson a fait des erreurs d’interprétation comme de représenter Sauron, comme la justification de la guerre. Ne pensez-vous pas que s’il était resté plus fidèle à l’esprit de Tolkien, les films auraient été plus hermétiques pour le grand public ?
Bonne question, mais honnêtement, les contresens de Peter Jackson (j’ai proposé quelques remarques dans cet article en ligne2 : sur la présence physique de Sauron, la disparition d’une réflexion sur le hasard et le destin), s’ils avaient été rectifiés, n’auraient pas rendu la compréhension plus difficile !





Bien avant, il y eut la tentative partielle de Ralph Bakshi… Une expérience étrange…
Elle pourrait être amusante, mais elle présente les mêmes défauts que Jackson, sans grand-chose pour la racheter. On dirait presque une parodie, tant les personnages et les situations sont ridicules, incompréhensibles pour qui ne connaît pas le livre : il y a trop de coupures qui rendent le scénario chaotique, avant que le film ne s’achève brutalement, au milieu de l’histoire. Je parais dur ? Regardez-le !



Où en est la production de The Hobbit ?
Je ne suis pas ce dossier, même si je m’y intéresse.





Votre avis sur l’adaptation en BD de Bilbo le Hobbit par Dixon et Wenzel ? Une telle adaptation du Seigneur des Anneaux est-elle envisageable ?
Je n’adhère pas beaucoup à ce genre de dessins. Et ce qui semble possible pour Bilbo, dont l’histoire est simple, paraît beaucoup plus difficile pour un livre comme Le Seigneur des Anneaux, avec tous ses personnages et ses actions simultanées. Je pense vraiment qu’un travail d’illustration, comme celui d’Alan Lee et de John Howe, est plus intéressant qu’une BD.



Lisez-vous beaucoup de BD ? Quels sont vos auteurs préférés ?
J’ai lu énormément de BD pendant mes années d’étude. Mais j’avais tendance à ne pas retenir les auteurs – les noms qui se trouvent dans ma bibliothèque à portée de main : Sfar, Satrapi, Julliard, Peeters, Jul’ (un ancien condisciple dont je suis le succès avec beaucoup de plaisir). Mais j’oublie sans doute de citer ceux que j’ai le plus lus !



La communauté des amateurs de Tolkien forme un incroyable « anneau » sur Internet. Etes-vous un membre actif de cette communauté ? Utilisez-vous beaucoup Internet pour vos recherches ?
Entre 2000 et 2002, je suis beaucoup intervenu sur jrrvf.com ; depuis, le travail universitaire a nettement pris le pas sur le reste : je suis connecté à internet au moins dix heures par jour, pour travailler à des sites comme www.fabula.org ou www.modernitesmedievales.org ou encore celui de mon laboratoire, www.univ-paris13.fr/cenel ; j’utilise aussi internet pour des vérifications ponctuelles et des échanges de messages avec des collègues et des étudiants). Je garde toutefois des liens forts avec jrrvf.com, tolkiendil.com et elbakin.net en particulier, dont les responsables ont l’amabilité de relayer très efficacement les nouvelles et les débats en cours : internet m’a toujours permis de connaître l’opinion de nombreux lecteurs de Tolkien, pour en faire part à son éditeur français. Actuellement, mon implication la plus importante sur internet, concerne le site officiel de la famille Tolkien, www.tolkienestate.com, en cours de construction.





Depuis l’année dernière, le jeu de rôle massivement online adapté du Seigneur des Anneaux remporte un succès non négligeable Y avez-vous joué ? Qu’en pensez-vous ?
Je dois avouer avoir passé ma jeunesse à jouer à tous les jeux de rôles possibles : AD&D, Paranoïa, Légendes celtiques, Stormbringer et même L’œil Noir… je parle d’une époque préhistorique ! Je suis donc venu facilement à des jeux comme Dungeon Master, jusqu’à Baldur’s Gate ; mais j’ai brutalement arrêté, faute de temps. J’ai tendance à considérer que le jeu que vous évoquez n’a pas vraiment de rapport avec Tolkien ; mais si les joueurs font la distinction entre ce jeu et l’univers de Tolkien, très bien !



Les joueurs sont des fans de l’œuvre de Tolkien, mais aussi des amateurs du jeu de rôles online. Pensez-vous que sa pratique amènera de nouveaux lecteurs vers Tolkien ?
Oui, on observe un va et vient entre lecteurs et joueurs. Un jour ou l’autre, un joueur peut avoir envie d’en savoir plus sur ce qui n’est qu’un décor pour jouer ; et puisque l’on trouve sur le net des sites de qualité, qui peuvent l’informer, je crois que le passage se fait assez bien : on le voit d’ailleurs sur des sites consacrés à certains jeux : il y a souvent un fuseau « Tolkien ».



Justement, concernant ces déclinaisons récentes, pensez-vous que si Tolkien était vivant aujourd’hui, il aurait fait naître son œuvre au sein de l’univers multimedia, qui lui aurait permis la création complète d'un univers ? Ou plutôt d’un héritage, puisqu’il me semble que ce qu’il a tenté de recréer, au fil du temps, c’est le processus de mise en place du mythe, en non pas forcément le mythe lui-même. Ou son aversion légendaire pour les technologies l’en aurait-elle empêché ?
Votre question nous plonge dans un roman ! Tout dépend de l’âge qu’il aurait, dans votre hypothèse ; mais je le vois mal adhérer aux développements les plus modernes : cet écrivain était attaché aux livres, aux manuscrits, et le passage au multimédia est tellement différent. Je crois en revanche qu’il est possible d’utiliser internet et le multimédia pour faire connaître son œuvre.



Vous avez écrit, il y a quelques années, un très intéressant essai sur l’œuvre de Tolkien, intitulé Tolkien : Sur les rivages de la Terre du Milieu. Allez-vous écrire un autre essai ?
Pour le moment, j’ai plutôt une série d’articles sur Tolkien, en cours de constitution ; c’est aussi l’auteur central d’un livre en cours, sur la présence du Moyen Âge au XXe siècle, mais je ne sais pas encore quelle forme prendra ce livre. Je me suis consacré pendant plusieurs années à l’édition de ses textes, et j’ai énormément de notes accumulées sur tous ces « nouveaux » livres…



Ne pensez-vous pas que quelque part, Tolkien a tué l’heroic fantasy, ou au moins l’a figée pour longtemps, en en posant les bases desquelles se sont inspirés nombre d’auteurs modernes ?
Si vous voulez parler de la fantasy (l’heroic fantasy n’est qu’un sous-genre parmi d’autres, auquel Tolkien n’appartient pas, contrairement à ce qu’on dit souvent !) : c’est la thèse de grands spécialistes de fantasy, comme Alain Névant, des éditions Bragelonne, qui le dit souvent sur le mode humoristique. Il est vrai que trop d’auteurs de fantasy commerciale se contentent de refaire du Tolkien ; et que d’autres se revendiquent (même s’il s’agit d’une simple stratégie commerciale) comme ses héritiers, ce qui donne l’impression que la fantasy se réduit trop à une simple répétition de Tolkien. Mais il existe des auteurs inventifs, qui échappent à l’influence de cet auteur.



Grâce à Tolkien, peut-être va-t-on enfin considérer que le genre importe peu dans la qualité d’une œuvre, même en France ! Qu’en pensez-vous ?
Effectivement, des lecteurs peu familiers du genre de la fantasy ont découvert qu’ils apprécient Le Seigneur des Anneaux ou Les Enfants de Húrin, comme ils liraient un roman d’aventures ou un roman historique. De ce point de vue, Tolkien joue un rôle important pour les médias et le monde universitaire : il n’y a qu’à voir les réactions des journaux et magazines lors de la parution des Enfants de Húrin, ou le nombre croissant de thèses consacrées à Tolkien. Mais il faudra du temps pour que Tolkien trouve sa place dans ces milieux.



Pour vous, Le Seigneur des Anneaux est-il l’œuvre la plus représentative du message et des idées que souhaitait faire passer Tolkien ?
Certainement : même s’il a travaillé toute sa vie au « Silmarillion », dont les textes ont finalement été publiés dans Le Silmarillion et les volumes de L’Histoire de la Terre du Milieu (Les Contes Perdus, etc.), Le Seigneur des Anneaux est l’œuvre qu’il a menée à terme, et cela doit être pris en compte. Il l’a mûrie 17 ans ! et a beaucoup réfléchir à son intrigue, à son équilibre, à ses multiples interprétations par ses nombreux lecteurs. Je crois que le « message » que l’on peut lire dans Le Seigneur des Anneaux, en ce qui concerne l’amitié en particulier, et la nécessaire union de tous les êtres vivants (quelles que soient leurs différences), est essentiel – et confirmé par les propos que tient Tolkien dans ses Lettres, qui constituent l’autre « grand » livre de Tolkien à mes yeux.



Hormis Tolkien, lisez-vous d’autres auteurs de fantasy ?
Oui, ceux que je rencontre dans des salons du livre ou dont j’ai fait la connaissance, comme Matthieu Gaborit ou Fabrice Colin. Pour le reste, ma collègue et amie Anne Besson, de l’université d’Arras, me tient régulièrement au courant de ses lectures, car je n’ai pas trop le temps de découvrir par moi-même : je donne la priorité à mon domaine de recherche principal (des romans plus « classiques »).



Quels sont vos autres projets ?
Il y en a trop pour pouvoir les lister tous ! ;-)



Vincent, merci.


Interview réalisée entre février et août 2008 par Fujoshi et Spooky.



Visitez le site de Vincent consacré à Tolkien

Lisez mes chroniques sur Les Enfants de Hurin, Tolkien, 30 ans après., ou encore Les Monstres et les critiques et autres essais
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1 Respectivement fils et petit-fils du romancier
2 Ici
3 Anne Besson a en particulier publié D’Asimov à Tolkien. Cycles et séries dans la littérature de genre (2004) et La Fantasy (2007), un livre de référence sur le sujet, dense et très complet.
* ici

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités

Arthur C. Clarke, immense auteur de science-fiction et humaniste acharné, s'est éteint hier dans un hôpital du Sri Lanka, pays où il vivait depuis 50 ans. Clarke avait fêté ses 90 ans en décembre dernier. Avec lui, c'est l'un des derniers auteurs du premier âge d'or de la science-fiction qui disparaît.

Il laisse une trace indélébile dans la littérature de l'imaginaire. Inventeur du concept des satellites géostationnaires, fervent supporter de la thèse de l'existence d'extra-terrestres intelligents, il avait écrit des romans et des nouvelles qui auront durablement marqué la SF. Il y eut bien sûr les Odyssées (2001, 2010, 2061...), mais aussi la fresque gigantesque de Rama (dont je vous recommande la lecture du premier volet, Rendez-vous avec Rama), couronné par les prestigieux prix Nebula et Hugo. Son apport scientifique est aussi indéniable. L’Union internationale d’astronomie donnera plus tard son nom à l’orbite géostationnaire des 42 000 kilomètres, «The Clarke Orbit». En 1998, il est anobli par la Reine Elisabeth II.


 

«Je n’ai jamais voulu me faire étiqueter comme un prophète, je préfère extrapolateur», disait Sir Arthur Clarke, pour qui la plupart des progrès technologiques avaient été précédés par l’imagination d’écrivains. Lui-même a pronostiqué que l’homme mettra le pied sur Mars vers 2021, et qu’il découvrira une civilisation avancée dans notre galaxie en 2024. Arthur C. CLARKE rentre dans la postérité des grands auteurs, et les lecteurs de SF que nous sommes ne seront pas étonnés qu’il ait prévu sa résurrection future : dans une interview à l’Associated Press, il avait récemment révélé qu’il s’était débrouillé pour faire mettre sur orbite un peu de son ADN. « Un jour, confiait-il, une super civilisation pourrait tomber sur cette relique d’une espèce disparue, et je pourrais revivre à une autre époque... »

Si du haut des étoiles que tu n'as jamais réellement quittées tu nous vois, Arthur, nous te saluons bien bas...

Voici quelques articles intéressants sur Clarke :
- sur Libération.fr
- celui de Wikipedia
- celui du Cafard cosmique

EDIT du 25 mars : le jour de sa disparition, Clarke a été salué par les étoiles...

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