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...:::Ansible:::...

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Tous les territoires de l'imaginaire, en vitesse supra-luminique.

Publié le par Ansible
Publié dans : #Livres
http://ressources.bragelonne.fr/img/livres/2007-01/CouvKetchummaxi.jpg  

Un simple fait divers dans l’Amérique des années cinquante. Dans une banlieue paisible où la vie est tranquille et ordinaire, une adolescente, Meg, et sa jeune sœur handicapée ont été placées chez une tante éloignée après le décès de leurs parents.
La tante a une certaine idée de l’éducation. Ses brimades, d’abord anodines, font vite place à des accès de rage, des caprices cruels, et bientôt un atroce supplice dans lequel elle entraîne ses trois fils, puis les autres garçons du voisinage.
L’un d’eux, pourtant, refuse de participer mais ne peut se résoudre à s’opposer à l’autorité de cette femme. Il sait qu’il doit prendre une décision d’adulte : faire un choix entre l’amour et la luxure, entre la compassion et le mal.

 

« Ce livre est insupportable, je ne l’oublierai jamais », a indiqué en accroche l’éditeur de ce livre… Je n’en suis qu’à la moitié quand je commence ma chronique, et c’est le cas. J’ai dû me faire violence. Violence pour lâcher, l’espace de quelques minutes, ce roman qui vous tord l’estomac. L’horreur, à ce moment, ne fait que monter, mais déjà c’est insupportable. L’écriture, la narration sont d’une qualité rare. Ketchum découpe son récit en chapitres courts, voire très courts. Le dernier de la première moitié ne comporte par exemple qu’une phrase, anodine en apparence, mais qui marque le basculement dans la folie de l’histoire. Une fille comme les autres est l’histoire d’une descente aux enfers. L’enfer c’est bien sûr l’abri souterrain où les enfants et leur mère font subir de nombreux sévices à la pauvre Meg, mais aussi l’esprit de Ruth, la tante de la jeune fille, qui assiste en tant que chef d’orchestre au défoulement de ses fils. Chef d’orchestre mais aussi entomologiste, puisqu’elle observe soigneusement leur comportement, s’amusant à les manipuler pour les faire aller plus loin encore dans l’horreur. Ce qu’il se passe dans cet abri est horrible, et nous le voyons par les yeux d’un petit voisin, qui sent monter en lui un mélange complexe de sentiments : le désir, la fascination morbide, la révolte, la colère… Une parabole sur l’entrée dans l’adolescence, où fantasmes naissants rentrent en conflit avec la raison, la bienséance et le bon sens. Et même, la santé mentale.

Jack Ketchum, dont c’est le pseudonyme, s’est inspiré d’une histoire vraie datant des années 1965 pour écrire son histoire. Celle-ci est violente, mais pas extrêmement, et elle traumatisera certinement nombre de lecteurs. Attention donc aux âmes sensibles.

 

Ma lecture fut à la fois passionnée et douloureuse. Passionnée parce que Ketchum écrit extrêmement bien, son style est nerveux et il sait installer une ambiance en peu de mots. Douloureuse parce que ce qu’il raconte est quand même très dérangeant. Attention, Ketchum n’est pas malsain, il sait s’arrêter sur le seuil de l’insoutenable ; mais son roman pose clairement la question : si l’on a le choix, la liberté, basculerait-on dans la violence gratuite, ou choisirait-on la voix de l’empathie, de la bienséance ? c'est un huis-clos oppressant, vraiment très prenant. A noter le jeu de mots  contenu dans le titre pour une fois intéressant en français : en effet, The Girl next door (titre original donc) signifie littéralement "la voisine", mais aussi "la fille ordinaire", ces deux appellations s'appliquant idéalement à Meg. Les traducteurs et éditeurs français ont donc choisi la version la moins littérale, pour souligner la banalité de l'histoire, ou du moins la banalité du cadre...

 

Ce livre est insupportable, je ne l’oublierai jamais.

 

 

Spooky. 

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Livres


Le Sud des Etats-Unis recèle bien des surprises...
Une jeune femme brutalement taillée en pièces dans sa maison de Virginie... avec une arme vieille de plus de cent ans. Un officier à la retraite éviscéré... par un assaillant invisible. Un jeune homme, les yeux crevés dans sa baignoire... puis bouilli vif. Qu'ont ces victimes en commun ? Quel être de cauchemar les a massacrées ? Le mystère s'épaissit lorsque la police, jusque-là impuissante, reçoit l'aide d'une petite fille qui semble être la seule capable de voir l'assassin. Mais pourront-ils capturer un tueur qui n'a peut-être jamais été humain ?
L'inspecteur Decker Mc Kenna mène l'enquête, et celle-ci va le mener dans les méandres du temps, et peut-être lui permettre d'exorciser une blessure intime...

Depuis son premier roman Manitou, écrit en une semaine en 1975, l'Ecossais Graham masterton fait partie des auteurs les plus populaires de la littéraure d'épouvante. Très prolifique, ses romans sont traduits dans de nombreuses langues. La plupart de ses écrits sont réalisés suivant un même schéma : des meurtres atroces sont commis, un enquêteur découvre qu'une tradition ancienne est à leur origine, et ça se termine en général non sans dommages... Masterton va toujours chercher des légendes, des mythologies très exotiques ; cela ne manque pas d'intérêt, mais à mes yeux ses récits (ou du moins tous ceux que j'ai pu lire émanant de lui) se cassaient immanquablement la gueule en cours de route, jusqu'à des fins confinant parfois au grand guignol.

Le Diable en gris ne déroge pas à ces règles. Ici on nous présente la santeria, religion primitive originaire d'Afrique, et importée dans le Nouveau-Monde par les esclaves, qui mènera au vaudou. Une religion peuplée de tout un tas de dieux, certains bienveillants, d'autres plus vindicatifs, que les esclaves noirs ont continué à prier dans les champs de coton du Sud, en leur donnant les noms de saints chrétiens, afin de ne pas se faire repérer par les autorités locales et leurs maîtres. En même temps nous faisons un retour en arrière dans le temps, vers la bataille du Wilderness en 1864, où les forces de l'Union subirent une défaite aussi cuisante que mystérieuse. Si vous voulez en savoir plus, rendez-vous sur cette page de Wikipedia.
Comme d'habitude Masterton distille une ambiance assez inquiétante avec ces meurtres étranges, puis des éléments ma foi pas inintéressants (cette petite fille autiste qui est presque la seule à pouvoir voir le tueur, le récit très oppressant de la bataille du Wilderness que Decker revit en rêve...). Mais ça tourne ensuite en eau de boudin avec un raccrochage à la religion chrétienne ainsi qu'un traitement qui vire presque au bal costumé dans la dernière partie. Mis à part pendant les meurtres du début, on n'a pas vraiment peur... Dommage de gâcher de la matière de cette façon...


Spooky.

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités



L'écrivain, réalisateur et scénariste américain Michael Crichton, est décédé en novembre 2008. Romancier à succès (je vais y revenir), médecin de formation à l'affût des dernières explorations scientifiques, c'est indéniablement un auteur majeur des littératures de l'imaginaire qui disparaît.

cet ancien médecin, né en 1942 à Chicago, commence à écrire des romans policiers à l’âge de 23 ans. En 1969, il publie La Variété Andromède, qui parle de l’invasion d’un virus extraterrestre. Le succès venant, il décide de devenir écrivain à plein temps. Ne tenant pas en place, il sillonne l’Asie, gravit le Kilimandjaro, traque le gorille et l’éléphant d’Asie. S’intéressant à une multitude de sciences et techniques (primatologie, neurobiologie, biophysique, économie, histoire des pays nordiques et génétique... entre autres), il les applique dans des romans souvent brillants, aussi bien au niveau technique que de l’écriture.
Interrogé sur sa manière de travailler, Crichton révèle quelques éléments : il s’installe à l’écart de chez lui, de manière assez régulière : un démarrage lent, un arrêt, puis une reprise et une activité allant crescendo jusqu’à la conclusion de l’ouvrage. Ses sujets ? des thèmes qui secouent l’actualité, voilà pourquoi on se sent si proche de ses histoires. Crichton réalise des dossiers, composés d’articles de presse (spécialisée ou non), d’études et de documents divers. Et ceci dans toutes les directions : géopolitique, religion, physique, bioéthique, sociologie, botanique... Les dossiers s’accumulent, et un jour, Crichton sent qu’il est mûr pour en faire le sujet d’un livre. Il essaie toujours de placer son personnage principal dans une position inextricable. Ses textes répondent à une double exigence : la rigueur scientifique, mais également le divertissement pour le lecteur lambda de thrillers.
 
En prise directe avec son époque, soucieux des préoccupations de la société, Michael Crichton prouve à chaque sortie qu’il est un grand auteur.

Considéré comme le père du techno-thriller, il a écrit un certain nombre de romans considérés comme des références. Le plus connu d'entre eux est bien évidemment Jurassic Park (1990), qui évoquait la possibilité de faire revivre les dinosaures à notre époque à partir d'un échantillon d'ADN. On connaît le destin de cette histoire, avec à la clé un record historique pour son adaptation cinématographique par Steven Spielberg en 1993. Mais il a écrit aussi d'autres histoires, tout aussi passionnantes : je citerai Le 13ème guerrier, Sphère, Prisonniers du temps, Etat d'urgence ou encore La Proie, les quatre derniers appartenant à ce sous-genre du techno-thriller où la science est une toile de fond, mais aussi une finalité pour nous raconter une histoire toujours nerveuse, enlevée, dynamique. Le 13ème guerrier est une sorte de relecture du mythe de Beowulf, au coeur des traditions nordiques. En-dehors de ce sous-genre de prédilection, il fait des incursions dans le thriller tout court : Harcèlement, Soleil levant, Un Train d'or pour la Crimée, tous adaptés avec plus ou moins de bonheur sur grand écran. Vous avez certainement vu l'un ou l'autre de ces films. J'oubliais aussi Congo, où une expédition scientifique part au coeur de l'Afrique pour explorer une cité mythique sur laquelle régneraient de grands singes... Je pourrais vous parler aussi de L'Homme terminal, de La Variété Andromède, excellents romans eux aussi. Crichton a aussi créé et produit la série télévisée Urgences, et s'est essayé à plusieurs reprises à la réalisation : on citera Mondwest, un western science-fictionnesque avec Yul Brynner, ou Runaway, l'évadé du futur, deux longs-métrages où les robots tiennent une grande part...  Il a aussi scénarisé Twister, intéressant thriller climatique réalisé par Jan de Bont en 1996.

Crichton était un écrivain populaire : il a vendu plus de 100 millions d'exemplaires de ses romans, écrits sur une période de 40 ans, traduits en 30 langues et parmi lesquels on trouve une dizaine de best-sellers. Aussi bien par ce volume de livres vendus que par la taille (il culminait à 2m06), il constituait avec Stephen King l'un des plus gros vendeurs de best-sellers au monde.



Diplômé de médecine d'Harvard, Crichton s'intéresse très tôt à notre environnement. Il fait d'ailleurs partie des sceptiques du réchauffement climatique, et surtout de son origine humaine. Il fut interrogé sur le sujet par une commission du Sénat américain, s'attirant les foudres des vrais spécialistes du sujet. Son roman Etat d'urgence témoigne d'ailleurs de ses convictions sur le sujet. Il est membre du Conseil d'administration de The Gorilla Foundation, fondation pour la protection des gorilles.

Crichton avait le souci d'écrire des intrigues carrées, impitoyables, qui vous rendaient incapable de lâcher ses bouquins (je me souviens d'avoir lu Sphere dans des conditions très difficiles il y a quelques années), avec toujours des fondements scientifiques incompressibles, et même parfois d'imaginer des prospectives sur ces bases. Lisez La Proie, un thriller haletant sur les nano-technologies et vous comprendrez. On y retrouve le thème de la boîte de Pandore ouverte par des scientifiques sans scrupules, très vite dépassés par les conséquences de leur geste. Crichton restera sans doute comme un auteur majeur de ce tournant entre deux siècles, où les frontières de la science, notamment en matière de génétique, sont en train d'être repoussées de façon incroyable. Il aura inspiré beaucoup d'étudiants dans ses champs d'investigation, et aussi fait frissonner des centaines de millions de personnes avec ses velociraptors gambadant à notre époque.

Voici quelques-unes de ses oeuvres, dont beaucoup ont été marquantes (les dates entre parenthèses sont celles des parutions en France, et des sorties des adaptations cinéma éventuelles) :

La Variété Andromède (1970) : Un virus extraterrestre tente de décimer les humains. La résistance s’organise.

 
Extrême urgence (1973) : Un médecin asiatique est suspecté d’avoir tué une jeune femme marginale. Edgar du meilleur roman policier 1973.

Mondwest (1973) : Un robot qui a les traits de Yul Brynner mène la révolte des machines dans un futur à la Meilleur des Mondes. Un "grand" auteur nous a quittés.
L’Homme terminal (1974) : Un homme sur le cerveau duquel on a fait des expériences tente d’aller plus loin en ingérant différentes drogues.

 
Un Train d’or pour la Crimée (1978/1979) : 1855, Edward Pierce décide de dévaliser le train qui transporte les lingots d’or destinés à payer les soldats anglais qui se battent en Crimée.

Looker (1981) : Ce film montre comment une clinique de chirurgie esthétique tente de remplacer des mannequins par des images numériques. Inédit en France.

Runaway (1984) : (avec Tom Selleck) Dans un futur relativement proche, toutes les tâches domestiques sont accomplies par les robots. Lorsque certains d'entre eux tombent en panne, une section spéciale de la police est chargée de les neutraliser...
Sphère (1988/1998) : Un groupe pluridisciplinaire de scientifiques est envoyé au fond des océans à la rencontre d’un étrange vaisseau spatial. Le film de Barry Levinson vaut plus que les critiques assassines reçues à sa sortie. A noter un casting de stars (Dustin Hoffman, Sharon Stone, Samuel L. Jackson).
Jurassic Park (1992/1993) : Avant le choc cinématographique réalisé par Spielberg, il y eut un roman palpitant et véritablement révolutionnaire.

Soleil Levant (1993/1992) : Deux policiers, dont un vétéran féru de culture japonaise, vont mener l'enquête sur un crime commis dans le milieu nippon de Los Angeles.
Harcèlement (1994/1994) : Deux anciens amants se retrouvent en bonne place pour obtenir la même fonction, au sein de la même entreprise. Chacun accusera l’autre de harcèlement sexuel. Le film avec Demi Moore et Michael Douglas fit beaucoup parler de lui en son temps.
 

Urgences (1994) : cette série très connue en est à sa treizième ou quatorzième saison. Elle montre, avec pas mal de réalisme, le quotidien du service des urgences d’un hôpital de Chicago.

 

Congo (1995/1994) : Une chaîne volcanique aux confins du Zaïre et de l’Ouganda recèlerait des gisements de diamants d’une pureté inégalée. Mais les lieux sont gardés. Le film qui en fut tiré s’avère d’une facture honnête.
 
Le Monde perdu (1996/1997) : Crichton a écrit cette suite de Jurassic Park dans l’optique d’une nouvelle adaptation au cinéma. Il s’agit également d’un hommage au roman éponyme de Conan Doyle, au sujet semblable.
 
Twister (1996) : Eh oui, Crichton a co-écrit avec son épouse le scénario du décoiffant blockbuster de Jan de Bont.

Les Mangeurs de morts (1996/1999) : Adapté au cinéma par John Mc Tiernan sous le titre Le 13ème guerrier, ce roman conte l’aventure d’un noble arabe envoyé en exil en Scandinavie au 10ème siècle. Histoire vraie, choc des cultures que Crichton a trouvé dans des écrits anciens.
Voyages (1998) : Crichton assume ses penchants “New Age” et raconte dans cet essai sa quête du monde de l’au-delà et ses expériences paranormales.
Turbulences (1999) : Basé sur plusieurs faits réels, ce roman conte une catastrophe aérienne due à des turbulences d’une violence extrême, et qui aura des répercussions sur des tractations économiques avec la Chine.

Prisonniers du temps (2001/2002) : Trois jeunes historiens se plongent dans la théorie des quanta. A l’aide de cette technologie, ils vont voyager dans le temps. Ils se transportent dans la Dordogne médiévale et y trouvent tout autre chose que ce qu’ils y attendaient. Le film de Richard Donner est un authentique nanar.

La Proie (2002) : La bioéthique est au coeur du débat public. S’emparant du thème des nanomachines et du génie génétique, Crichton prouve encore une fois qu’il est en phase avec son temps, mais aussi qu’il est un excellent conteur d’histoires.

Spooky.

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Personnalités

Nota : Nicolas Stanzick étant intarissable, son interview a dû être rallongée, et donc coupée en deux parties. Vous trouverez la première partie ici.


Le vampirisme semble un domaine imaginaire sans limites, alors qu’il est arrivé tardivement en France. C’est pourtant la Hammer qui a sublimé le sujet avec ses multiples adaptations de Dracula. Peut-être y en a-t-il trop eu, non ?

 

Evidemment, un chef d’œuvre comme Le Cauchemar de Dracula n’a pas grand-chose à voir avoir avec sa lointaine et médiocre suite Dracula vit toujours à Londres. Mais c’est la loi du genre. Lorsqu’on observe l’histoire du cinéma fantastique, et en particulier les films de vampire, on s’aperçoit qu’il y a toujours un film qui fait date, puis des suites de moins en moins intéressantes : petit à petit le mythe se vide de sa substance, jusqu’à ce qu’un nouveau film reprenne les choses à la base, les réinvente, les réactualise. Ça a été le cas des Dracula de chez Universal ; le plus beau c’est bien évidemment celui de Tod Browning, tandis que dans Abbott et Costello contre Frankenstein, Bela Lugosi reprend à nouveau son rôle titre sous une forme quelque peu désincarnée. Douze ou treize ans plus tard, la Hammer régénère complètement le mythe en lui imposant une nouvelle iconographie avec Le Cauchemar de Dracula… Etc. Jean Boullet a parfaitement résumé le phénomène dans le n°1 de Midi-Minuit fantastique un célèbre article intitulé Terence Fisher ou la permanence des mythes. Je l’ai déjà dit, la grande force de Terence Fisher par rapport au mythe du vampire, c’est d’avoir pris à bras le corps la dimension érotique de Dracula. Il n’y a pas un plan, dans le film de Fisher, qui ne soit au service de ce questionnement, rien n’est gratuit. Le moindre élément de montage, la moindre transition servent ce propos-là. A l’heure actuelle le mythe se réinvente toujours. Coppola a réussi un film somme avec son Dracula en 1992. C’est un film qui fête à la fois le centenaire du cinématographe (1995) et celui du livre de Stoker (1897) : le comte vampire y apparait comme une métaphore du cinéma qui vampirise le réel pour en projeter un double sur l’écran et le film s’assume donc comme une histoire du cinéma, comme une histoire du mythe de Dracula pendant cent ans d’existence du septième art. Depuis, avec Dracula ou les pages tirées du journal d’une vierge, Guy Maddin a proposé une nouvelle version du mythe, féministe de manière inattendue et passionnante, en suggérant que Dracula n’existerait peut-être que dans le songe des femmes sous forme de fantasme. Bref, on n’en a pas fini avec Dracula et les vampires au cinéma….

 

 

La Hammer a cessé ses activités cinéma en 1979, mais elle vient d’être rachetée par Endemol, célèbre société de divertissement qui est le leader de la télé-réalité. Quel est ton sentiment sur ce retour ?

 

Il y a d’abord une crainte, puisque cela s’inscrit dans une  tendance actuelle qui voit tous les objets contre culturels de naguère se faire récupérer. Et puis Endemol, c’est quand même tout l’opposé de ce que fut la Hammer dans les années 60 : pas de subversion chez eux, juste une production qui relève de la culture de masse dans ce qu’elle a de moins excitant. Cela dit, il y a tout de même un point commun entre les deux : Télérama condamne aujourd’hui Endemol d’une manière aussi définitive que la Hammer hier…[rires] La manière optimiste de voir les choses serait de regarder leur première nouvelle production, Beyond the Rave, qui a défaut d’être un chef-d’œuvre ni même un bon film témoigne d’une identité Hammer, qui reste extrêmement identifiable aux yeux du public et des professionnels des medias d’aujourd’hui. Car Beyond the rave, c’est ni plus ni moins qu’une histoire de vampire anglais sur un scénario qui manifeste une même volonté de remise au gout du jour que Dracula 73 il y a 35 ans. C’est vrai que Dracula 73 ce n’était pas une grande réussite cela dit… […] Si dans les années à venir, l’identité Hammer est respectée, si – soyons utopistes – elle se réactualise sans se renier, et bien pourquoi pas ? Peut-être que de bonnes choses peuvent naitre de cela. Après tout, ce n’est sans doute pas l’intérêt commercial d’Endemol que de casser le « joujou » Hammer : peut-être y a-t-il des exécutifs intelligents en son sein qui sauront éviter de mauvaises décisions. Donc, ne condamnons pas par avance ces nouvelles productions. Essayons de leur donner leur chance en ayant à l’esprit que le miracle Hammer, cette historique rencontre entre un grand auteur de cinéma, Terence Fisher, de très grands acteurs, Peter Cushing et Christopher Lee, une équipe technique brillantissime, Jack Asher, James Bernard, Anthony Hinds, Roy Asthon ou Bernard Robinson, le tout dans cette époque charnière des années soixante où avant-garde et culture populaire se nourrissaient mutuellement et s’entremêlaient parfois, a très peu de chance de se reproduire. Tel Dracula, la Hammer renaît aujourd’hui de ses cendres et ce seul évènement est en soit bien sympathique…

 

As-tu vu tous les épisodes sortis jusqu’à présent ?

 

Je n’en ai vu que le début, mais je préfère attendre que le DVD  sorte, ce qui devrait survenir sous peu, pour le regarder dans de bonnes conditions. Voir une série sur MySpace, c’est intéressant du point de vue marketing, mais j’ai envie de le voir plus confortablement. Cela dit, bonne nouvelle, j’ai entendu dire récemment que la Hammer s’apprête à produire un deuxième long-métrage, qui devrait avoir droit à une vraie distribution en salles. Il s’agirait d’un film fantastique, mais je n’en sais pas plus.

 

Tu penses qu’il y aura d’autres films ?

 

A priori oui, le côté rassurant dans le fait qu’Endemol soit derrière la Hammer, c’est qu’ils ont de gros moyens financiers. Donc ils peuvent produire des choses. Après, marchera, marchera pas, on verra, je n’en ai strictement aucune idée.

 

Aujourd’hui, pour toi, quels artistes semblent prolonger l’esprit de la Hammer ?

 

Très honnêtement, c’est un peu comme si on se posait la question d’une descendance de John Ford… C’est un cinéma qui s’est imposé partout. Tout le cinéma contemporain, à un moment donné, doit quelque chose à la Hammer. Les films de Fisher, Gilling, Sharp et consorts ont vraiment constitué un palier nouveau dans la représentation graphique de l’horreur, de l’érotisme à l’écran. Mieux : ils constituent une anthologie de classiques qui ont renouvelé tous les mythes classiques sur lesquels le cinéma fantastique s’est toujours épanoui et c’est fort de cet acquis que le genre a pu explorer d’autres territoires durant les années 70 et 80. Prenons le cas par exemple d’un Romero qui a priori incarne une rupture vis-à-vis de la Hammer en 1968 avec La Nuit des Morts-vivants. Il me semble que son Dawn of the Dead doit en réalité beaucoup au travail de Fisher et notamment à son film-testament, Frankenstein et le monstre de l’enfer : les scènes de carnages cannibales qui ont fait la gloire de Romero semblent tout droit découler de l’extraordinaire séquence de dépeçage du monstre par la foule des aliénés qui conclue l’ultime opus fisherien. Il me semble même que Day of the Dead est à la fois un hommage explicite aux Frankenstein de la Universal, notamment à cause de Bub le sympathique zombie, mais aussi à ceux de Fisher, à cause du Dr Loomis : à l’instar du baron interprété par Peter Cushing, ce personnage  surnommé « Frankenstein » dans le film, fait preuve de la même atrophie du sentiment moral devant l’horreur de ses expériences. A la limite, même avant la rupture Romero il n’est pas absurde de penser que les carrières de Bava, Corman ou Franco auraient pu prendre des tournures très différentes sans l’irruption de la Hammer. Sans Fisher, on aurait peut-être pas eu droit aux délires gothiques de Bava avec ses violentes et oniriques couleurs baroques, et donc sans doute aurions-nous aussi été privé d’Argento ! Voilà le premier élément de réponse, le plus évident, quant à l’influence contemporaine de la Hammer. Il existe d’autre part aujourd’hui un cinéma de genre que l’on peut qualifier de post-moderne,  né au détour des années 70 avec Star Wars, et qui à sa manière a largement fait revivre la Hammer à l’écran ces dernières années. C’est par exemple le cas d’un Tim Burton qui dans des films comme Sleepy Hollow ou Sweeny Tod, nous offre bien davantage qu’une vaine collection de citations de ses films gothiques préférés : il réinvestit et projette sur l’écran ses émotions cinéphiles fondatrices, le souvenir de sa découverte du Cauchemar de Dracula, du Chien des Baskerville, de La Gorgone mais aussi Bava, Corman etc. C’est une tendance dans laquelle s’inscrit également Tarantino ou Rodriguez avec Leone en ligne de mire et qui consiste à dire : « le genre est mort, il ne nous reste donc plus qu’à filmer les émotions qu’il a jadis suscité en nous ». Naturellement, si une certaine économie de cinéma est effectivement morte – celle du cinéma bis à laquelle appartenait la Hammer – le genre ne meurt jamais vraiment et des gens comme Tim Burton, Quentin Tarantino ou Edgard Wright contribuent en réalité à le réinventer de manière toute personnelle. Pour moi Sweeny Tod est un authentique chef d’œuvre qui parvient ainsi à faire revivre tout ce pan de cinéma incarné par la Hammer. En France, Christophe Gans a tenté quelque chose du même ordre avec Le Pacte des loups, à ceci près qu’il a ajouté à son introspection cinéphile une réflexion plus intellectualisante sur le rapport de la France au fantastique. En gros, en s’attaquant à un mythe français, celui de la bête du Gévaudan, il s’amuse à fantasmer ce qu’aurait pu donner l’équivalent de la Hammer sur le territoire français, si une telle maison de production avait existé ici. Au-delà de l’influence pour le seul genre fantastique, il me semble que les grands classiques du studio se sont aussi imposés de manière plus universelle. Là il faut faire un distinguo entre l’auteur Fisher et le label Hammer. Prenons quelqu’un comme Scorsese : je crois très sincèrement que sa manière de filmer le sang doit quelque chose à Fisher. Dans Les Infiltrés, j’ai été frappé par cette séquence où l’on voit revenir Nicholson d’une arrière boutique où il vient de torturer quelqu’un, les mains couvertes de sang : on croirait presque voir  le sinistre Van Helsing incarné par Cushing, les mains également salies par la mise à mort de quelques vampires… Il me semble que Scorsese emprunte ici à Fisher son esthétique sanglante métaphysique si personnelle et identifiable. De même, je n’exclus pas que son Temps de l’innocence ne doive quelque chose au travail sur les costumes et la reconstitution historique des meilleurs Fisher. D’une manière générale, la plupart des Fisher gothiques sont des chefs d’œuvres qui appartiennent aujourd’hui à la mémoire collective. C’est un cinéma qui s’est imposé et c’est par exemple dans cette perspective qu’il faut comprendre toutes les multiples citations de la Hammer dans le dernier Star Wars : Lucas ambitionne en bon disciple de Joseph Campbell de faire fusionner toutes les grandes mythologies du monde en un « mono-mythe » et tente pour cela une grande synthèse de tous les genres du cinéma et de toutes les cinématographies du monde. Lorsque dans l’épisode III vient le moment de questionner le rapport du héros à la mort, naturellement sont invoqués à travers la figure d’Anakin/Vador les mythes de Dracula (la survie blasphématoire), de Frankenstein (une créature de l’empereur), de Jekyll et Hyde (la schizophrénie du personnage) et les emprunts à Fisher pullulent comme autant d’images qui appartiennent désormais à l’imaginaire collectif : Vador pleurant face à la lave, comme jadis pleurait Léon le loup-garou sur son humanité perdu, Anakin brulé vif dans une gestuelle toute droit sorti du Cauchemar de Dracula etc… Le recours à Peter Cushing et Dave Prowse dans la première trilogie ou à Christopher Lee dans la deuxième ne doit rien au hasard dans cette perspective. Fisher a été célébré l’année dernière dans cette institution qu’est la Cinémathèque française et pour reprendre l’expression de Noël Simsolo, il est désormais « un cinéaste qui arrive tôt ou tard dans le patrimoine cinématographique des gens de moins de cinquante ans qui font des films intéressants aujourd’hui ».

 

Dans le genre fantastique, quel est ton sujet de prédilection ?

 

Mon péché mignon de jeunesse, c’est bien évidement les vampires. Je suis toujours très curieux de voir les films qui sortent dans ce genre. Mon initiation au cinéma fut faite par le biais des vampires. Quand on s’intéresse à ça quand on est jeune, c’est une manière de découvrir à la fois la série B avec Terence Fisher, mais aussi de découvrir le cinéma lui-même avec Murnau, le côté classique avec Tod Browning, le cinéma d’auteur allemand avec Werner Herzog, la nouvelle vague européenne avec Roman Polanski… Si on prend la thématique du vampire, on pourrait presque faire une histoire du cinéma mondial à partir de cette figure. Cela nous amène à toutes les cinématographies du monde : l’Amérique du Nord, l’Espagne, le Mexique, le Japon, l’Europe centrale, la Russie… Tous les types de cinéma également, la série B, le cinéma d’auteur. Je me suis intéressé à cette figure-là, mais je ne me suis pas cantonné qu’au cinéma fantastique, je suis passionné par le cinéma dans son ensemble. J’adore Fritz Lang, Billy Wilder, Woody Allen, les frères Coen, Eastwood, Cronenberg, Lynch,  toutes sortes de cinéastes différents. Par contre, au sein du cinéma fantastique, plus ça va plus j’ai un goût pour le gore, en fait. Plus jeune, j’ai dû être marqué par certaines lectures de Télérama que mes parents achetaient. J’ai été marqué par ce réflexe critique puritain qui met d’un côté les films intelligents parce qu’ils se contentent de suggérer, et de l’autre les productions dénuées d’intérêt parce qu’elles montrent le sang à l’écran. En réalité la dichotomie ne se situe pas là. Le cinéma, ce n’est pas le réel, ce n’est qu’une image, et l’image se charge toujours de signes. Le sang à l’écran est intéressant dès lors qu’il est un signe. Le gore au cinéma a crée une esthétique. Chez Fisher le sang renvoie à la métaphysique, chez Dario Argento le gore sert la représentation de la fantasmatique du tueur, chez Romero les carnages cannibales renvoient à des questionnements politiques.... Et au-delà il y a quelque chose d’extrêmement jubilatoire, de totalement transgressif et libérateur dans le spectacle du sang qui coule à l’écran. C’est l’un des aspects extraordinairement beaux et réussis de Sweeney Todd, de Tim Burton : quel plaisir de voir les gorges tranchées et les corps tombés avec fracas contre le pavé de la cave du barbier diabolique !... [rires] On est tous régis par les figures d’Eros et Thanatos tapis au fond de notre inconscient. Le cinéma gore répond à nos pulsions de manière ludique et nous enrichis parce qu’il nous confronte à notre part d’ombre. C’est une chose qu’ont toujours détesté les moralisateurs, notamment chez la Hammer il y a cinquante ans : un cinéma qui nous révèle notre propre dualité, quelle horreur ! Au final, il n’y a rien de malsain ou de dégradant en soit dans le cinéma gore. Il ne s’agit que d’art, de représentation, d’esthétique. Ces films-là n’ont jamais incité au meurtre. C’est plutôt parce qu’il y a des meurtriers que ces films existent.

 

En-dehors du cinéma, tu as d’autres loisirs ? Des lectures peut-être ?

 

Je lis beaucoup de livres sur le cinéma ces derniers temps. Mon autre grande passion parallèlement au cinéma est la musique. Je suis musicien depuis longtemps, je suis dans un groupe de rock n’ roll, et pour moi il y a un vrai lien entre ce qui relève de la culture rock n’ roll et celle du cinéma bis, de la série B. J’ai par exemple découvert les Stones vers la fin de l’enfance, en même temps que les films de la Hammer. Pour moi Mick Jagger, Keith Richards ou Johnny Rotten étaient des figures subversives au même titre que Dracula et Frankenstein. Des monstres sacrés qui participaient d’une même culture anglo-saxonne, parfois même typiquement anglaise, et ce sont toujours des influences aujourd’hui. Avec mon groupe, Ultrazeen – on vient de sortir un nouveau disque début juillet –  nous faisons régulièrement nos entrées de scène sur le générique du célèbre Django de Sergio Corbucci, célèbre western spaghetti. On vient d’écrire un morceau qui s’intitule Wolverine, en hommage au personnage du comics éponyme et des X-Men. Il va d’ailleurs avoir droit à son propre film en 2009. Bref, tout cela fait partie d’un tout.

 

As-tu d’autres projets ?

 

J’aimerais bien écrire un second bouquin, j’hésite encore sur le sujet. J’aimerais bien continuer sur le cinéma fantastique des sixties, le gothique italien ou les productions de Corman… Il y a encore un vide éditorial en France à ce niveau-là. Pourquoi pas  également sortir de la série B et aller carrément vers Star Wars : il y aurait une fabuleuse étude de réception à faire sur le sujet, avec le point de vue de deux générations antagonistes sur deux trilogies produites à 20 ans d’intervalles, deux trilogies qui elles-mêmes ne cessent d’interroger la notion de point de vue chez leurs héros… J’ai en tête un gros projet la dessus. J’ai aussi de projets de radio et de fiction… We’ll see.

 

Quel est le prochain film fantastique que tu vas aller voir au cinéma, ou que tu vas regarder chez toi ?

 

Je viens de récupérer Caltiki - le monstre immortel, co-réalisé par Riccardo Freda et Mario Bava. Je vais peut-être le regarder ce soir. Ou alors Doriana Gray, de Jess Franco, que je n’ai jamais vu. C’est un film fantastique qui tire vers le porno expérimental. Je suis dans une période Jess Franco depuis la rétrospective qui a eu lieu récemment à la Cinémathèque française. Je me suis vraiment pris d’affection pour son cinéma.

 

Sur le web on trouve tes interventions sous le pseudo de Kurt Menliff. Ta préférence va vers le corps ou le fouet ?

Le corps ou le fouet dis-tu ? Mais l'un ne va pas sans l'autre !...


Merci Nicolas.

De rien.

 


Je vous invite à aller faire un tour sur la page MySpace de l'ouvrage de Nicolas.


Nicolas Stanzick


(1) professeur, écrivain, orateur et anthropologue américain, célèbre pour son travail dans les domaines de la mythologie comparée et de la religion comparée et notamment pour sa théorie du monomythe. George Lucas dit s’être largement inspiré de son ouvrage célèbre Le Héros aux mille et un visages (The Hero with a Thousand Faces), paru en français sous le titre de Les Héros sont éternels pour écrire Star Wars.


(2) Réalisateur, scénariste et romancier français.


Interview réalisée par Spooky.

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Publié le par Ansible
Publié dans : #Films


Neil Marshall avait plus ou moins pris le leadership du cinéma britannique fantastique (après Danny Boyle et son impérissable 28 jours plus tard) avec Dog Soldiers, sympathique film d'action mêlant histoire de loups-garous et soldatesque, mais aussi et surtout The Descent, qui a fait remonter le taux de claustrophobie chez pas mal d'amateurs de gore et de spéléologie (oui, ça existe).
Son dernier film en date, Doomsday, s'attaque au genre du post-apocalyptique, genre bien balisé par Mad Max et New York 1997. Le pitch est simple : en 2010, un virus décime très rapidement la population de l'Ecosse. Les autorités de l'époque décident d'isoler complètement les foyers d'infection et les éventuels malades sur cette partie nord de la plus grande île britannique, rétablissant et renforçant le Mur d'Hadrien, fortication romaine qui marquait la limite entre l'Ecosse et l'Angleterre. La région retourne rapidement au chaos, jusqu'au cannibalisme. Le gouvernement britannique croit avoir éradiqué le virus, faute de proies, au bout d'une vingtaine d'années, mais les observations d'un satellite espion révèlent la vérité : il y a des survivants ! Peu de temps après le virus apparaît en plein coeur de Londres, faisant craindre le pire. On envoie alors un petit groupe d'intervention vers Glasgow, afin de retrouver le Professeur Kane, qui menait des recherches sur le virus avant de se retrouver coincé du mauvais côté. Le groupe est dirigé par Eden Sinclair (Rhona Mitra, qui à part des seconds rôles dans Hollow Man et Le Nombre 23, compte comme haut fait d'arme d'avoir été la première incarnation en chair et en os de Lara Croft), qui a elle-même été sauvée de justesse de la contagion 25 ans plus tôt. Une fois arrivé sur place, le commando se rend compte que la réalité est bien plus complexe...

Le début du film est intéressant, posé, Neil Marshall joue son John Carpenter avec application, allant jusqu'à copier des plans entiers, des costumes et même des scores musicaux de Big John. Il y a même une petite critique du pouvoir, et de son hypocrisie. On voit que c'est une super-production, les moyens (costumes, décors, engins) sont là. Et peu après le passage du commando de l'autre côté, ça vire au grand n'importe quoi. Le chef des hippies cannibales qui disputent la suprématie régionale à Kane est une espèce de rock-star, qui célèbre la dégustation de la chair humaine lors de grands shows pyrotechniques, avec Fine Young Cannibals (le choix du groupe n'est évidemment pas innocent) en fond musical, les méchants se déplacent à moto ou en voitures dont on se demande comment elles peuvent être ravitaillées en carburant au bout de 25 ans de blocus absolu... Pire, la faction de Kane est carrément retournée à l'état féodal, l'exécuteur de ses basses oeuvres étant un chevalier tout caparaçonné de noir. C'est limite pitoyable tellement c'en est grotesque. Les routes sont dégagées, les voies de chemin de fer aussi, bref les sauvages qui ont été jusqu'à s'entre-dévorer ont réusi à conserver l'électricité et l'essence et à entretenir les infrastructures. Et bien sûr, une voiture qui est restée au garage depuis la fermeture des frontières est en parfait état de marche, avec le plein d'essence !





C'est vraiment dommage que Neil Marshall mange à tous les râteliers pour écrire son film : New York 1997, Mad Max, les emprunts sont nombreux sur ces deux films-références. Le morceau musical qui conclut le film est, lui, directement pompé sur celui de 28 jours plus tard... C'est un beau gâchis. Marshall aurait pu faire un film certes dans un genre largement balisé, mais avec sa propre voix, sa propre identité. Les acteurs ne sont pas mauvais (on notera la présence des vétérans Bob Hoskins et Malcolm Mc Dowell), ce n'est pas mal filmé, mais décidément c'est trop pompé, et malheureusement ça part dans tous les sens dès la deuxième bobine... Où est passé le scénariste-réalisateur inspiré comme c'est pas possible qui nous fout les jetons sur The Descent ? Où sont passés tous les moutons ? Les gens les ont mangé en méchouis géants, me répondrez-vous. Dans ce cas-là, pourquoi y'a-t-il des milliers de vaches en liberté ?

Spooky.

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